42萬部電影

完全自殺門診 Kill Me Please

2011-11-20T16:11:00.003+08:00

都已經看完今年的金馬影展了，到現在台北電影節看過的影片都還沒整理出來，只能心虛地趕進度（唉）。

這部片《完全自殺門診》有著爭議性的立場，人如果不能決定何時誕生，那麼可以自己決定何時死亡、怎麼死亡嗎？
故事的地點是位在鄉村山野間，一間獨棟如別墅般的診所，這間診所對來訪的病患所提供的服務，以及這些服務的終極目標，不是恢復肉體的健康，而是依病患的要求結束他們的生命。

每個人的情況都不一樣。有失去美妙聲嗓，再也唱不完整首名曲的女伶、有憂鬱多年，籌備自殺計劃長達20年的中年男性；還有年邁只求在與年輕女大學生做愛時氣絕的教授，還有希望在機槍武器大掃射中陣亡的男子。
診所依照每位病患的要求，安排各種死亡的方式和時間地點。但診所也因為這個聽起來非常特異的「治療方法」，而讓附近村民反感以久。在病患人數漸漸增加時，事情也慢慢失去控制，村民開始策劃針對診所的攻擊行動，原本來自殺的人，現在生命反而受到另一種威脅。

而諷刺的地方就在這裡，來自殺的人反而不想被殺，從病患求自保的過程中，呈現出各種對生命、死亡，和人生意義的討論，人類對生命的意義是否只存在於無止盡的控制慾？村民的屠殺和自我了斷的決定，哪種才是對生命的暴力？
院方致力於協助病患終結生命，某種程度上看似是阻礙力量的鄉民反而促成了最終的死亡，那麼其實所有人，不管是否有參與「自殺門診」，結果不都是死亡？既然大家的結果都難免一死，那麼村民又有什麼立場干預別人的決定？

是否生死真的只是自己的事？人類真的能夠決定自己或別人的生死嗎？這部電影把人們避而不談，同時也是爭論不休的議題做了開放式的展開，整部影片都用黑白無彩色來呈現，用黑色幽默讓觀眾看到在生死的滑稽倒錯之間，人們對生命的價值意義的定義，和肉體靈魂的掙扎。

藏屍象限 All Your Dead Ones

2011-10-01T18:30:00.005+08:00

膽小的我通常不會看這種片名的電影，不過這部片真的和恐怖片可說是扯不上關係。

影片一開始就是在炎熱的農村小屋中，一對男女正在做愛，這個在低矮簡陋掛著蚊帳的小木床上努力推送的畫面，其實是男主角的晨光春夢，接著觀眾可以隨著他的早餐和破舊的房舍，感覺到當地農村的微薄收入和簡樸生活，但隨著男主角走到玉米田開始每天規律的農事工作時，意外的景象出現﹣﹣在田裡有一塊像是外星飛碟登陸後壓碾躺平的區域，上面是一大批難以計數的屍體。

不過影片很可愛的地方就是，它並不是那種為了暴力而狂噴血漿的電影，這群屍體，感覺更像是工作人員和臨演倒臥在一起，衣著乾淨整齊，有種小成本電影的節省和可愛。

純樸的農家人實在很難處理和面對這種處境，接著在他向當地的主管機關求助的過程中，開始這場夾雜著驚悚恐懼和荒謬喜感的靈異事件，之所以驚悚並不是因為屍體，而是警察和公僕為了不影響當天的大選結果，所以希望壓下報導，甚至讓人有殺人滅口的聯想；而在政治考量之下村長和助理們的處理方法，又是極度官僚和可笑的愚蠢大集合。

一點血腥畫面都沒有，可是成功傳達了政治是最殘暴的手段，整部影片節奏緊湊，鋪陳俐落，用一個荒唐的現狀點到各種人性面，電影結尾男女主角真的回到小木屋，在房間裡的那張小床上努力做愛，這種Happy Ending的安排對照影片開頭更讓人會心一笑；所謂幸福的定義其實真的很簡單，一開始觀眾可能覺得這種做愛場面既不浪漫男女主角又不俊美，但看到影片最後應該都不會否認，對小老百姓來說，這就是最平實簡單的幸福吧。

心靈病房 Wit

2011-10-01T17:45:00.001+08:00

電影一開始，告訴艾瑪湯普遜她得了癌症的醫生，就是在《回到未來》飾演瘋博士的Christopher Lloyd。

他臉上的那顆痣仍然醒目，俐落短髮穿著白袍的他，雖然是嚴謹正經地解說，但觀眾可能會有一種奇異的錯置感，好像這是個整人節目的玩笑，用理性嚴肅包裝了失控脫序的瘋狂，而這種感受正巧符合得知病情的重症病患的心情，似乎聽到的不是關於自己的身體，是某個器官、某種組織細胞，某種奇異的荒誕發生在自己身上。觀眾和身為病患的艾瑪湯普遜抽離地、旁觀地看著這一切發生，這種面對極度苦痛而感覺自救的抽離態度，就是這整部電影的主調。

不過很遺憾，每次我都無法完整地看完整部電影，總是在HBO偶然遇到。

艾瑪湯普遜的聲音，和摩根費理曼一樣，都非常適合為電影唸白。電影裡提及的關於生命、語言、知識、感覺的深入討論，也許有點硬，也許這個主題比較嚴肅，但因為艾瑪湯普遜的聲調裡同時存在的磁性和溫柔，堅強和殘酷的不同特質，觀眾因此可以順利跟著進入這個議題，甚至還可以會心一笑。

人類的各種複雜的心智活動，一旦放在醫學的角度，大半就限於理性的科學的生理上的研究，人變成一種血肉組織，蛋白質和胺基酸的合成體。這種把人的智慧成就和靈魂感受歸零的作法，是醫學治療無可避免的殘酷本質。發生在一位對語言、文學有著不凡見解的教授身上，她用心理和生理上最大的努力來平衡這兩種對比的衝擊，電影裡也呈現出在這個過程中從這兩種截然不同，甚至是相反的角度來觀看的心情和討論，導演麥克尼可斯仍然讓人印象深刻，艾瑪湯普遜也是本劇編劇團隊的其中一位。

期待有機會能在HBO完整欣賞。

阿嬤打官司 Lola

2010-11-22T21:47:00.004+08:00

要不是電影裡還有別的人演出，不然真的會以為是在看一部紀錄片，兩位阿嬤真實的表現，完全把觀眾關在那種貧窮匱乏的無力混亂裡。人會死是為了錢，被赦免也是因為錢，生死失去重量，只因為底層的貧窮把人逼得喘不過氣來。一段阿嬤找廁所的戲，也簡單但強而有力地指出菲律賓官方讓人盡乎傻眼的迂腐。看著兩位阿嬤用盡智慧，一切都只是為了生存，即使能爭取的和奉獻的都是那麼的微不足道，是西方世界裡難以想像的生活選擇。兩位同名為Lola的阿嬤，交錯出一幅菲律賓現狀的真實樣貌。

月正當中 Red Hill

2010-11-22T20:34:00.003+08:00

上一部讓我在電影院裡，忘記久坐不適的脊椎，而且完全融入緊張劇情的電影，是幾年前的〈險路勿近〉，但這部〈月正當中〉讓我完全忽視電影院裡難坐的紅布椅，而相信「絕無冷場」這樣的形容詞是真的存在的。
電影除了有緊張懸疑的鋪陳之外，也有觸及澳洲原住民的議題，在看到一半之後，也許可以猜出結局的真相，但並不會減損觀影的興緻，觀眾跟著菜鳥警官一起開始認識這個陌生偏遠的小鎮Red Hill，雖然狀況外但仍努力並試著融入學習，而忽然發生的攸關小鎮生死存亡的大事件，把原來緩慢的西部步調突然轉速，變成一連串驚心動魄的生死掙扎。菜鳥警官看起來的不甚可靠更加重了觀眾的焦慮，這個潛在的擔憂一路像是把觀眾綁架直到影片結束。正義化身的白人警察和面貌兇惡的原住民逃犯，電影試著反轉一般善惡的簡單二分法，也約略提及目前在台灣也存在的財團開發土地，毒害當地居民的陰謀。
在緊張的安排下也有一些零星的小火花讓觀眾暫時可以輕鬆笑一下，是娛樂性足夠又可讓人一瞥當年西部片非生即死緊張氣息的精彩作品。

請來參加我的告別式 Get Low

2010-11-22T18:43:00.004+08:00

一個孤僻獨居的老人要辦個生前葬禮，也就是人還沒死就要辦喪禮，而且形式還是個可以抽獎的party，電影就在這種神祕荒唐的趣味中展開。電影的主題就很有趣，裡面的演員更是讓觀影變成很大的享受，勞勃杜瓦飾演要辦喪禮的老頑固，而葬儀社老闆是比爾墨瑞，還有舊情人西西史派克，整部電影就看著這些上了年紀的老演員，精彩詮釋其中的戲謔，但又拿捏得體讓人感動不已。比爾墨瑞的臉才一出現，整個電影院的觀眾就笑了，不知這該說是喜劇演員的境界或宿命，但他的確能明確定位出整部電影黑色幽默的調性，有種無辜的不用力的看淡人生的喜感，也讓最後勞勃杜瓦的自白更加動人。算是在影展片單裡可以放鬆入口但又仍有嚼勁的好片。

野薔薇理髮院 Permanent Nobara

2010-11-22T18:03:00.003+08:00

這是一部關於女性的電影。裡面有中年的女性、有離婚的女性、有著米蟲男友的女性、有陪酒的女性、有先生失蹤的女性、有被劈腿的女性、和被家暴的女性，裡面的角色有老闆娘、媽媽、女兒、太太、情人，其實包含各式各樣的女性樣貌。看起來是很小品的電影，其實裡面有比一般日本小品電影再深入一些，這個海港小鎮的理髮院是婦女阿姨們常常在一起閒聊的所在，而這些女性理容的主因多半是想讓自己更美麗，更能抓住想要的幸福。影片從菅野美穗的角度開始認識這個小鎮，離婚後帶著女兒回到家鄉的她，看起來像是小鎮八卦情事的旁觀者，從她的旁觀中帶出各式各樣女性的角色和處境。
江口洋介完美的男性形象，最後的結局也表示這終究是這些女人得不到的幸福。究竟是女人心中投射的他那麼美好，還是真的有這麼美好的男性存在呢？電影裡每個女性都希望能和所愛的男人相守得到幸福，但卻反映出讓她們不幸的往往卻也都是男人，在這部電影中，男人成為一種被女人觀察形容的生物，不管是混蛋或真愛，男性很少自白，只有不同年齡女性的耳語。而最後菅野的小女兒到海邊接她媽媽的安排，又似乎在暗示，會對女人真正伸出援手的，還是女人。
片單上的介紹說得沒錯，菅野美穗的確讓人印象深刻，在柔順的外表下可以表現出相當的爆發力，把青春戀愛的少女模樣和年輕的母親角色分配的很好，讓觀眾可以明確感受到那種透過螢幕傳來的甜蜜和苦澀。

衣櫃裡的政客 Outrage

2010-11-22T17:39:00.003+08:00

我會看這部片完全是因為導演柯比迪克。他的上一部金馬影展片〈本片尚未分級〉把人逗得很樂，看著有人認真地計算性愛戲抽送的次數實在讓人發笑。但這部片明顯沈重許多，可能是因為關於政治，可能是因為攸關生存的權力，抨擊的力道也更強。本片直接點出通常越是攻擊同志的政客，越有可能是要掩蓋自身的性向疑慮，在龐大的政治運作背後，真相常常是更加難以證實。任何問題一旦牽涉進政治都會變得很複雜，同志議題更是，而這些政客在自身利益之下，可能會輕易讓許多人一生的努力毀在片刻，畢竟決策的政治干預可能會消滅一個族群的生存權，而諷刺的是，這些反同志政客卻在私底下尋找更青春的同志肉體和性愛歡愉，用兩手策略盡佔兩邊的好處。在電影最後出現的哈維米克，更像是同志心中遙遠的烏托邦，一個珍視的精神象徵和已逝的良善和正義。

最後兩個大法師 Skeletons

2010-11-22T17:17:00.004+08:00

我喜歡看影展和外語片，原因之一就是裡面的人通常都很有特色，長相不帥不美卻有獨特的喜感，這部片就是一個例子，雖然演員名單上有Jason Isaacs，還算是熟面孔，但主要的兩大男主角，一個很大隻，走路時肚子的肉還會振動，另一個髮線後移，也有個肚子挺在那。看似是抓鬼大隊的兩人，其實更像是在追溯過往和深入探究每個家庭中的不可告人的祕密。同樣講現實和記憶的錯雜，讓人聯想到克里斯多夫諾蘭的〈全面啟動〉，但親切簡單地多，也幽默許多，是一部很奇幻又充滿新創意的作品，可以輕鬆欣賞當中的詭異笑點。

藍色恐懼 Perfect Blue

2010-11-22T16:19:00.002+08:00

在幾年前我看過今敏的〈千年女優〉，相較起來這部〈藍色恐懼〉黑暗了些，影片是用女主角未麻的真實情況和幻影想像來鋪陳故事的發展和推進劇情的下一步，所以觀眾也自然會在不同時空軌上，真真假假之間反覆來回。
電影很大篇幅地討論社會對偶像的佔有和投射慾，也從未麻的處境可以了解演藝圈極度消費女體的價值觀，但也許是為了指出這一切事件都出自未麻的轉型，電影裡有些過度強調未麻的裸露，輕輕帶過這其實是一種女性的復仇。在某種程度上，未麻從青春可愛的玉女偶像，轉變為拍攝大膽露骨的戲劇和全裸照片的新進演員，她轉而代表的是一種對男性消費更深層的服從，這也是她和自己的幻影一直爭論的核心原由，她是否能接受自己為了演藝生涯所做的犧牲，為何身為女性就要拋棄清純的形象和唱歌的夢想，要露出自己的身體才能有發展呢？到電影最後，殺人的兇手終被揭露，兇手其實是以自身的女性身份在對未麻的犧牲表示抗議，所以那些讓未麻墮落的人才會一個接一個被殺害。但這部份在電影中的確著力較少，也較隱晦，不過也因此讓我們了解整個日本社會對女體的執著渴求和強大的集體性意識。

杜莉與我 My Dog Tulip

2010-11-22T15:51:00.002+08:00

就像這部電影的視覺風格，自然手繪，不刻意講求精緻和華麗，這個故事給人的感動也是這樣，寫實真誠，每個養過狗的人都會頗有感觸。影片裡主人對杜莉的觀點是我覺得最有趣的地方，他把杜莉當作孩子，卻也是他一生中最真誠的好友，這隻狗在男主人的心目中真的是人類也比不上的交心知己，這點和狗狗有交心的人一定可以體會，深深了解和一隻狗在心靈上互相依賴的感動和牽絆。故事中有許多部份把杜莉畫成了狗頭穿裙子的小女生，但又演出交配的情節，本來畫面也許會讓女性不舒服，但透過男主角心裡的描述，會了解對他來說杜莉就是這樣的，是狗也是人，她的發情和求歡是自然又原始的，尊重杜莉但不剝奪她是犬類的事實，不像許多富有人家養狗會想要拿走狗的本性，不准狗舔生殖器官，試圖把狗當成人來侍候。
幾乎每部狗狗電影都會來上一段的生老病死，真的是「灑狗血」的情節，在〈杜莉與我〉也輕輕帶過，讓這段難得的友誼擁有更尊嚴的結束，和無盡美好的回憶。是部非常溫暖的動畫電影。

歪小子史考特 Scott Pilgrim vs. The World

2010-11-22T15:23:00.003+08:00

其實這部電影我真的沒什麼可以大書特書的，因為一個電玩遊戲的劇情重要嗎？當然不重要！向來都只想著趕快破關，根本就不會管瑪琍歐怎麼救公主的，所以電影裡混亂、無厘頭、耍白痴、搞暴力和瘋狂愛慕的純愛元素，你都會見怪不怪了，這部電影看沒多久之後你就會知道你的任務是要擊敗七個舊情人，整部電影當然就是執行任務的過程了，這部電影可說是把一個世代對電玩的集體記憶作了大集合，裡面充滿了各種game的元素和形式，光是電影開場的環球影業片頭就被改編成電玩音，不管是否熱愛video games，這部電影都可以喚起每個人那塊青春的記憶。

半點好男人 A Somewhat Gentle Man

2010-11-20T18:07:00.005+08:00

這其實是部很可愛的電影。男主角服刑完畢從監獄出來，雖然高大的身形和髮型會讓人以為是不好惹的角色，但其實是個很溫柔的人。看著他兒子和媳婦的談笑，他光是在旁邊悄悄地偷看就笑了，好像他完全可以透過車窗感受到那種平實的美好，那個和他擦身而過的幸福。
電影裡出現的幾位女性，可說是點出了影片的主題，男主角是個殺人入獄的傢伙，但對照他面對這些女士時又變成溫柔體貼的男性，這兩種衝突構成這部電影主要的喜感。
片中的女士不知為何都會自動對他投懷送抱，甚至是強迫中獎，而他也不忍拒絕，真的是很另類的"Gentle Man"。他和前妻在餐廳廚房的做愛戲，前妻一直不小心打開奔流的水龍流，這也暗示了男主角出獄後不一定從此幸福美滿，但的確是這些女性春天的降臨。事實上幾乎每位片中的女性碰到他都會有「反應」，連兒媳婦見到他都破了羊水，串連成很有暗示性的笑點。
他和女士們的做愛過程也都很自然，男體女體自然裸露，完全不搞好萊塢那種遮遮掩掩、光影蠟燭的把戲，對性愛非常坦蕩，也因此觀眾才能理解其中荒謬的趣味。
唯一比較暴力的部份只有最後，壓碎的汽車裡滴下來注入油料的紅色血液，接著男主角和旁邊的工人抽起了煙，看著灰灰淡淡的天空，感覺沈重也漸漸地隨著白煙飄散了。電影整體仍維持一般對北歐電影的印象—冷調的幽默和對荒謬的現實所反應出的一種理所當然的處之泰然。

只做陌生人 Nothing Personal

2010-11-20T17:19:00.003+08:00

這部片和〈帶我去看海〉、〈沉默的靈魂〉，都是看了預告才決定去看的，當然一個因素也是因為史蒂芬雷。他總給我一種不明原因的親切感和誠實的聯想，雖然他後來的角色總和當年〈亂世浮生〉的角色有點關連的想像，但不管是〈冥王星早餐〉或是他在〈V怪客〉裡的演出，我都很欣賞。
女子裸體在他床上磨蹭的橋段是我覺得最情慾的部份，而且她還把一切還原，但放了根頭髮在被子上，像是侵入的證明和痕跡。這也挑戰了我們對家的觀念，為什麼要有個家，家對我們來說是什麼？是個棲身的地方，還是可以放心徜徉的所在？為什麼我們會覺得不夠滿足，想要更多呢？想要控制，想要擁有，女子在翻垃圾找食物時，旁邊有個母親問她是否需要幫忙，她回答不用，並反問：你需要嗎？這就好像在嘲笑資本主義下的消費者，和社會規範裡的角色期望，我們努力讓生活擁有更多更好更大的物質享受，努力讓生活維持在一個所謂的正軌上，害怕失序和脫離。
我們只知道女子結過婚，她在片頭把結婚戒指拿了下來，也暗示她脫掉了社會對她認可的身分，她不再是一個已婚者。她和史蒂芬雷的互動方式也很有趣，她要他不要多問，他要她學習禮貌。
他們之間的情感也很特別，對雙方來說，對方就是「You」而已。沒有多的別的。影片最後史蒂芬雷留給她房子和一切，在她後來出門時，也許是繼續流浪，也許是出遊，住宿的櫃台人員用西班牙文問她有無行李，她說沒有，看著她一身清爽地坐在床上，我的解讀是她還是一樣自由，可是不用再像之前隨身帶著家當，因為她已經有個家了，而那個地方遺世獨立，她擁有家，但也擁有自由。

帶我去看海 Alamar (To the Sea)

2010-11-20T16:50:00.002+08:00

這部片真的很短，也很讓我驚訝，我本來以為我不是走那種好山好水的路線，在看了金馬官網的預告片時，我決定買票來看，當時也只是心想，看起來還不錯，但我沒想到可以帶來這麼大的感動。
它真的很像紀錄片，從鏡頭你都不會覺得你在看一部電影，對白很簡單，生活很原始，但情感卻很真誠，父親帶著兒子體驗他的生活，祖父也陪同，雖然生活看起來就是捕魚、釣魚、殺魚、煮魚，還有海和天空，很多很多的藍色，但原本那個會失去的東西觀眾是知道的，知道孩子以後就要和父親分開，和媽媽搬到羅馬這個大城市居住，意識到這種情感和美景和單純的生活，都即將會失去。這也讓我聯想到，對孩子來說的大都市的未來，變成他和父親父子關係的威脅，就像這個在墨西哥的豐富生態，也可能被光明的都市開發侵害。
所以即使真正演到孩子傷心離別的事只有一小段，也會變成難以承受的重量，因為悲傷一直都在，孩子拖著的那個滾輪行李箱，在父親的生活裡顯得很突兀，但同時也暗示了父親原始的生活在都市裡也是同樣難以被接受。
從父親教孩子如何取得白鷺鳥的信任就可以看出他們對各種物種和生命的尊重，不吃的魚內臟就丟回給鱷魚吃，但這一切對孩子來說，似乎就像影片最後他在城市的公園裡吹的泡泡一樣，成為一種不見形體的回憶。

超能輪胎殺人事件 Rubber

2010-11-20T15:30:00.003+08:00

我相信在這個世代，對許多特殊的形式或風格會有更大的接受度，像這部電影就是，它真的是一部很奇異的電影。從影片一開始，我們就不知道為什麼那輛警車要沿路撞掉所有的椅子，然後警長從後行李廂爬出來，對著鏡頭問：為什麼ET是咖啡色的？“No reason.” 警長的這句話，幾乎可以說是為這部電影定調，這是部荒謬的電影，不要問為什麼，因為no reason。然後我們像影片裡拿著望遠鏡的觀眾一樣，和他們一起開始看故事的發展。我們認真地看著一個輪胎從沙地裡起身，「蹣跚」地走走晃晃，再看一個輪胎喝起泥地上的水，這只能說是一種很奇異的體驗。那就是個輪胎，沒有手腳，甚至也沒有臉，可是我們竟然可以意會它在做什麼，我們甚至可以理解輪胎—溺水了。

從結構上看起來像是部後設電影，但又好像並不打算只乖乖待在一種形式中。我們是觀眾，在電影院裡我們知道自己是安全的，不管劇情多麼血腥可怕，我們都知道電影結束後我們會離場，回到現實繼續過生活。但在電影裡演觀眾的那批人，我們本來會投射「他們就是我們」，但後來發現情況並不是這樣，他們被毒死了，也變成故事的一部份。這又好像在諷刺電影工業的現況，不管生產出什麼樣的影片，觀眾都會接收，觀眾甘願被荼毒，就像我們也說不出理由為什麼要看著一部荼毒觀眾的電影。

後來還有倖存的觀眾跑去和警長說，劇情應該要怎麼走下去才是對的，警長無法控制讓全部的觀眾都遇害，他也不知道原來有個殺人的輪胎是真的，不是在演戲，這又回到後設的常見架構，導演或作者都無法完全控制角色的發展，而後來女主角要為塑膠model配音時，抗議唸白太爛，也有演員抗議劇本的雙重意思。

這部片是法國片，但裡面全部的對白都是英文，讓人有一種廉價的B級片和膚淺的大眾文化的聯想。
整個故事一直在打破電影和觀眾之間傳統的定位，讓觀眾變成在舞台上，演員像待在後台裡，但殺人狂還是持續殺人，而且他永遠都很難被抓到，因為它是個輪胎，總之，它應該會上院線，有機會可以去看一下這部怪片。

懷念明亮有阿姨售票的長春戲院

2010-07-31T14:48:00.003+08:00

上個月到長春看了《儘管如此，我沒做過》。
這個片名是依照去年金馬影展，是原本日文片名翻譯過來，在院線時改為《鹹豬手事件簿》，同時長春也換了風貌。改為國賓經營後，外語片都被移到地下室的小廳，因為人不多而更顯得冷清。原來明亮的環境也換成典型電影院的樣子，昏昏暗暗的走道和洗水間，走到哪都一整片紅色，購票的阿姨也換成年輕工讀生。我這才想起，因為之前很常去看電影，對於背面有阿姨劃位黑色簽字筆字跡的票根也習慣了，沒想過要保留下來，現在反而很遺憾，懷舊的電影海報櫥窗、手寫的時刻表、矮鐵門的入口柵欄，復古但總是很乾淨的廁所，穿著制服的收票先生和穿著紅窄裙的小姐阿姨，都這麼消失了。我在當天看到一些影展的DM，問了服務的工讀生小姐上映的時間，年輕甜美可愛的臉龐，但明白說這個活動她不清楚。我自認是要在一個熟悉的地方看電影，但這才發現不只改了樣貌，連味道也變了。
我不是個勤於四處拍照記錄生活點滴的人，但這時我不免想，如果當初有拍下幾張長春的照片就好了，唉！

空氣人形 Air Doll

2010-01-30T17:38:00.002+08:00

雖然看起來和一般日常生活沒有兩樣，但日本電影常常能夠成功建造一個在現實生活裡的超現實世界，帶給觀眾真實感，但又包含無限想像。這個從充氣娃娃的角度試著理解人類行為的故事，竟然充滿了人的溫度和感情。
李屏賓在很多鏡頭上給足了光線，讓裴斗娜在幾個角度上呈現出一種真的輕柔到像風一吹就會飄走的透明感。在錄影帶店裡男主角為她吹氣的那一段，成為整部影片裡最情慾的一段，不管是氣體進入的意涵，女主角的害羞和膨脹的反應，都有種奇異的理化課實驗感，但又充滿情慾，這種氣體的接觸反而勝過全裸的肌膚之親，包含了更多曖昧和想像。這部影片裡還有很多好演員，像是演警察的寺島進、怕老的女職員—余惠美子，還有如客串般只出現一小段的人偶創作師—小田切讓，都會在觀影的過程裡讓人會心一笑。
雖然攝影師和導演是男性，但對女體的描繪卻還算十分細膩，有些裸露的鏡頭是不帶情色的，有些角度則是流露出男性對女體的好奇和謹慎。從「替代」和「性」，這種人類看似原始，但其實很複雜的主題切入，一種是心理的需要，一種是生理的需要。這部片讓我聯想到史匹柏的《AI人工智慧》，當一個無生命的個體以人類的外型出現在生活裡，這個由人類創造出的「物體」往往會映射出人類最難解又矛盾的那一面。透過這個物件或機器想要變成人類的過程，似乎看起來人類是那麼無可取代的有靈性，生命是那麼的難得和珍貴，但人類卻同時也殘忍和愚蠢。
故事後來急轉直下的進入死亡的討論，人類可以這樣對待萬物，那麼如果也這樣對待人類會有什麼後果？結果衝擊力越強，代表其中的詭異和矛盾越大，為什麼人類可以，別的生物不行？人類的生命和活著這件事到底有著什麼意義？
女主角單純少不經事，但又熟悉肉體和性愛，對照出人類生命裡最大的主題：矛盾的衝突。

附：阿拉斯加之死﹣讀完原著

2009-10-10T16:40:00.002+08:00

電影是一個切面，書是厚厚的文字，比起兩個多小時的電影，三百多頁的書試圖讓我們看到更多的克里斯多夫．麥克肯多斯。
相較起來，我覺得電影浪漫的多。電影裡描述了克里斯自己的歷險，除了他遇到的人事物之外，電影裡很重要的部份是他自己一人在荒野裡生活的情景，從他的打獵、閱讀裡，我們好像可以觸摸到他的內心。
原著的作者是強．克拉庫爾，可能因為他有為雜誌撰述文稿和報導的背景，書本讀起來像是從一個大人的角度來看克里斯，雖然他的立場是理解和相信克里斯的選擇，但難以避免地「從客觀的角度來看」即代表著必須放入大量的現實，而作者的線索來源就必須去訪問遇過克里斯的人、他的家人、同學和後來保持聯絡的朋友，從他們的回憶裡來還原克里斯。
這本書我並不算很喜歡，但如果想更了解克里斯，它的確是少數珍貴的資料之一，是的，這本書與其說是傳記小說，形容成資料也許更加合適。雖然讀完仍讓我有種沒有被搔到癢處的失落，但讀到書裡描述克里斯大體被發現的過程和他生命最後的時光，我還是哭了，這種難過也許是因為我們失去了這麼獨特的克里斯，也許是因為被這麼單純美好的靈魂撞擊，但我又怎麼能為克里斯難過呢？覺得他失去生命是因為愚蠢，這樣想的人不就還是從社會保守的觀點來看，完全沒有被他的選擇所感動？！沒有人能保證自己能置身在生存危機之外，比起強權富國領袖興起戰爭，又怎麼能說克里斯不愛惜生命，說他愚蠢？
說他是自己害死自己，這種批評怎麼說都只是就成敗論英雄而已。他試圖求救，也積極求生，但還能從容面對死亡，要如何說這樣的人沒有勇氣呢？也許他低估了自然界的力量，但人類、動物界裡所有青春的生命不都是如此嗎？我們又怎麼能預設他「應該」要重回文明建構出來的社會？覺得回到社會秩序裡他的人生就會更美好？
原著、電影、電影原聲帶，這三者都是之後的作者放入了自己的想像，但電影原聲帶和電影較以克里斯出發，他看到的、體會到的感動、他的觀點，雖然經過了導演和創作人轉譯，但似乎我們還能從中感受到克里斯的溫度，感受到他獨特獨立的靈魂閃出的光芒。

阿拉斯加之死 Into The Wild

2009-08-09T22:44:00.000+08:00

有些電影會讓人很難收手。你會想去找出相關的原著、音樂、背景，像是一頭栽進去一樣，忙碌著想把每一面都展開，看更多、了解更多，這就是《阿拉斯加之死》在我身上發生的情況。
是怎麼樣的心情會選擇放下一切？多數人總是嚷著辭掉工作，離開城市，但需要多大的勇氣才能丟掉這些所有所有？我覺得震撼的其中一個原因，是因為這是個真實發生的事，一個真實的人。但從電影裡看來，克里斯多夫在執行這個理念時，是那麼單純而專一，也許就是這種單純，才能更有力量快速地渲染開來。
很難不被他打動。不管是他的選擇，他的實踐方法，他的信念，因為太真實了，就像咬下一口全生的肉塊，血和筋肉在嘴裡溢出，很難不被震撼。因為他就這麼放下了我們迷戀的、執著的享受和物質生活，我們壓抑不下的慾望，他就像站在河邊的孩子，看著這些從他眼前流過。
陪伴他在孤夜的，除了大自然，還有書。在電影裡便有提到書裡的字句：「非不愛人，更愛自然」。與其說把自己丟到大自然裡是自我放逐，把自己放進功利的社會裡不更像？在大自然裡，你有的選擇可能還多過社會規範下能提供的空間，至於這個題材會不會太反社會了？也許吧！但提出這種檢視和價值的可能實在讓人感動，藉由一個人的行動，一個取捨的念頭，能夠影響擴及到無數的人，這個聲音在主流社會裡又是多麼的微小，多麼的珍貴。
Emile Hirsch帶點純真的臉孔，詮釋這個行動很有說服力，看起來很聰明，像是聽話的乖孩子但其實有自己的打算。讓人期待他之後的演出。
一個人的理想可以把一個人推多遠？要執行到什麼程度才算完成？克里斯多夫不用對任何人交待，也不是全然為叛逆而做，回到人的最小單位，一個人，純然的理想可以把人帶到多遠？即使他最後有向人求救的想法，仍無損於他完成的、示範的、信仰的那個東西，那個在我們心中爆炸的小東西。

東京奏鳴曲 TOKYO SONATA

2009-07-18T18:08:00.001+08:00

整部影片在演出一個過程，就是失序。發生的地點在日本東京，格外講求秩序和群體文化的地方，從父親隱瞞失業開始，事件的連動而產生無可避免的連環爆炸。

片名取名為東京奏鳴曲，家庭的運作其實有規則可循，每個角色都有社會期待的固定模式，理當是彼此互相依賴，互相配合，和諧地表現出優美的人生樂章，但由於父親被裁員，被社會機器推擠出局，引發母親、哥哥、弟弟接二連三地脫離原本預設的音樂主題。

看這部片我覺得不管日本或是台灣，大家都太執著於「正常」這個形式，尤其是發達的大城市。大家都努力地看起來很冷靜、很酷，很理所當然，沒有什麼是奇怪的，一切都有效率而且快速地進行，如果走往和所有人群相反的方向便覺得不安。但有時生命裡的出錯並不可怕，人們恐懼的是被抛離軌道的未知結果，我們對慣性的生活感到厭煩但又離不開。

在影片裡日本的父親非常權威，家裡的所有人都在等他才能開飯，光是從餐桌這場戲就可看出爸爸失業，代表他失去的絕對不只是工作和收入而已，但接著就會發現母親其實才是維繫家庭的重要力量，如果說爸爸是屋頂，那麼媽媽就是地基。

在這個故事裡每個人都是立體的，不會強調誰才是樂曲裡的主奏，就像奏鳴曲裡每個聲部各自都很重要，而在每個人失序的爆點上，導演黑澤清也發揮出許多許多意外，為每個角色的走向加入許多奇想，一旦開始呈現出他們自己的旋律，就充分地變形，每個人都難以預料結果。

片尾弟弟在眾人的注目下演奏完德布西的月光，就表面上來看，真是個令人欣羨的家庭，出了一個有音樂天才的兒子，但觀眾已經和這家人經歷了影片裡所有的錯亂，社會定義的價值也許就不再那麼絕對。就像這家人在影片最後的重聚，母親和平常一樣煮起了晚餐，米飯和湯是再平常不過的東西，也是這家人重新回到現實的最好象徵，就算我們都不再是原來的樣子，就算失業、失學、離家，但生活還是可以繼續，比起樣版的模範家庭，其實更有意義。

為愛朗讀 The Reader

2009-05-10T15:48:00.007+08:00

我覺得漢娜史密茲是個很難被呈現的角色。就我們的生活經驗裡，應該很難對於查票員產生好感吧！她的形象像個硬漢，直接、粗魯，總帶著勞動色彩。漢娜好像也是這樣看她自己的，所以在麥可第一次偷窺漢娜被發現時，漢娜看起來也和我們同樣驚訝。驚訝於在她完全沒想到的情況下，她的照護和協助的擁抱竟然吸引了這個15歲的年輕人，因為畢竟她一直把他當作小孩。麥可擁有太多漢娜沒有的東西：青春、無限可能的未來、幾乎無憂慮的生活、和求知的權力。但這個擁有一切的年輕人，卻對這樣的她感興趣，對麥可來說，漢娜暗示出的成年人的生活、未知的身體探索，對現在的他是充滿誘感的，他們兩人其實是各自站在對面，互相對對方的一切有著羨慕和好奇。
凱特溫斯蕾真的很神奇。我覺得不管是對觀眾或導演來說，有一位這麼完全無保留的演員都是我們的福氣。即使我們看過其他很多電影裡面她漂亮的裝扮和高貴的氣質，但在漢娜身上，幾乎看不到從前的她。漢娜是樸素的，剛直的，甚至是有點愚笨的，全身土氣晦暗的黑色制服下的她卻是位美麗的女性，柔軟的、性感的、激情的，蘊藏所有和她的外表相反的特質，當麥可在第一次做愛前看著裸體的她，說著：「你好美」，而漢娜卻回答：「你在說些什麼」，一如漢娜看待自己的方式，彷彿性愛就是性愛，她不是需要被歌詠的女神，她對自己的外表不感興趣，這只是原始的慾望，一如吃飯睡覺一樣正常。
在麥可第一次為漢娜朗讀時，他把書放在他兩腿間，書本的位置正好取代了他的性器，這是很有趣的畫面，他以為讓他倆歡愉的只是性愛，但他並不知她對他的渴望後來其實也來自書本，那是他擁有的，也是她永遠無法得到的。
洗澡也是這部電影裡很重要的一部份。洗澡像個儀式，每個人都會脫去外表，回到平等而原本的自己，洗澡也是每個人和自己身體相處的重要時間，在別人家洗澡，甚至是在別人的浴缸裡洗澡，都是件曖昧和讓人充滿想像的事，而洗澡在電影裡，幾乎成為每個情節轉折或是情感與關係變化的舞台，洗澡這麼親密的事，也當然變成性愛的預告。
而所有現實的糾結都反映在成年的麥可身上。法庭的審判、社會的眼光，所有必須接受的事實真相，都造成了麥可中年後的陰鬱和疏離，漢娜變成他無法接受的過去，他無法原諒她，但又不能否認曾經那麼真實的、這麼純真的愛戀。
整部電影裡我們都完全沒有看到中年麥可的身體，就像他不再打開的心房，總是穿著高領毛衣的雷夫范恩斯，像個殉道者一樣
從在她的房間為她朗讀，到郵寄錄音帶到監獄裡給她，其實他們兩人一直是在各自兩個世界，從前麥可用朗讀讓漢娜可以短暫脫離她平庸的現實，在監獄裡他的讀聲更能伴著她在深夜度過漫長沒有未來的牢獄生活。
雷夫范恩斯也絕對是最適合朗讀的人選之一，他的聲音就如他的人一樣，細膩的、性感的，把周遭的空氣都變得敏銳起來，就像你無法略過而不看他的眼睛，也無法略過他的聲音。
雖然漢娜的老妝無法像〈班傑明的奇幻旅程〉一般讓人讚嘆，不過也許也因此給了演員更大的空間來表現角色。這個看起來這麼無趣、平凡的女人，才能讓戲劇性在她身上更加倍被爆炸出來，沒有瀏海，髮型中分再挽起來的凱特溫斯蕾，很像素描雕像裡的維納斯，原始、堅強，但又細緻，而這部片裡，光是看她的表現就夠精彩的了。

自由大道 Milk

2009-03-06T02:30:00.001+08:00

比起新聞報導，也許電影反而有可能是一種更好的方式來還原歷史事件的全貌。整部電影以紀實和溫柔的情感來處理，一位公開出櫃的政治人物？不論從字面上或想像裡，都是多麼不可能做到的事，但電影把哈維．米克帶來給我們，他就像個天使一般出現又消逝。
我喜歡電影把同志親密的愛撫直接演出來，如果演出的是異性戀演員衝擊力會更強，我把它當作是種電影對一般人的撞擊測試，性愛是一件很絕對的事，我覺得它是一種絕對的方法可以試探觀眾的底線。而且就像任何劇情片、動作片、愛情片裡當然會出現的男女調情互相吸引的橋段，同志的性不需刻意強調，但也當然不應在影片裡被禁止或隱諱帶過。
兩位男演員西恩潘和詹姆斯法蘭柯也真的讓我們感覺到他們兩人彼此之間的愛。而在異性戀和同性戀的強弱勢力對比之下，女性更尤其是最終極的弱勢，這部電影裡安柯能堡這位女同志要加入這個圈子，仍和在異性戀社會裡一樣困難。
透過電影，觀眾可以輕易體會當時同志面臨的處境，和現在相比，同志身處的環境如果有好一些些的話，這就是哈維米克用生命奮鬥的珍貴進步。電影沒有過份妖魔化恐同者，他們在電影裡永遠站在同志的對面，觀眾和同志一樣無法看清他們的真面目，他們沒有私生活、沒有體溫，只有檯面上冠冕堂皇的說詞，更讓人覺得這種控訴的可怕。
《自由大道》裡的哈維米克當然是英雄，而且這還是不會在課本裡讀到的事蹟，不管是過去或現在，同志所處的環境仍然存在危機。希望這部誠懇的電影可以感動更多人，以同志角色拿下奧斯卡大獎當然值得慶賀，這絕對是一種主流的肯定，也會大大增加影片的曝光，但能拿到奧斯卡的表演獎項，似乎總是社會底層或心理變異或罪大惡極的角色，這個奧斯卡獎，同時代表了希望，也是負荷。

送行者﹣禮儀師的樂章 DEPARTURES

2009-03-05T20:50:00.000+08:00

其實這部片對我也說，也許有些太催淚了，不過在現在這麼不快樂的社會裡，我想，芭樂就芭樂吧！讓大家可以盡情地哭一哭也很好啊！也許全世界的人都面臨了夢想的幻滅和對生活低頭的現實，它就以這種親切，打敗了《我和我的小鬼們》和《與巴席爾跳華爾滋》，拿到了今年奧斯卡最佳外語片。在電影院裡，在許多伯伯和阿姨們的鼻涕窸窣聲中看完這場電影，買票時也看到了長春戲院難得的排隊人潮，其實它在許多方面都並不算搶眼，但也許就是這種對生命的包容讓它感動了無數人吧！
看著老人家來看一部討論死亡送行的影片其實是很有趣的，看著拘謹的日本民族來討論死亡這件事，還大方對它開了幾個玩笑更是少有的經驗。本木雅弘總給我一種無辜的喜感，好像人生的安排都不是他故意造成的，他用個人特質豐富了這個角色，不管是讓觀眾笑的點或是悲傷的表現都很自然，完全沒有衝突的感覺，他和飾演納棺師前輩的山崎努，把對生命的尊重用了無比溫柔的感情呈現，讓人驚訝這兩個看起來像一般大叔和軟弱上班族的兩個普通人，竟然可以立即地轉變出讓人震懾的力量。
當然久石讓的音樂仍然維持他強大的渲染力，幫助整部影片的情緒漫延，如果真的想單純看部電影可以來看這部片，你只要放鬆做個觀眾就好。

與巴席爾跳華爾滋 Waltz With Bashir

2009-03-05T18:41:00.000+08:00

我喜歡電影的原因之一，就是電影對任何題材的觸及度和可能性。《與巴席爾跳華爾滋》是部動畫片，但沒想到，也是部紀錄片。處理成動畫電影的確是個新的角度來呈現紀錄片，內容是回顧當年以色列入侵黎巴嫩，後來因巴席爾被暗殺造成情況失控而發生的大屠殺。首先是用動畫在還原一個歷史事件所產生的困難度，但也因此給予這部影片一種奇異的風格，界於現實和回憶之間，現實是殘酷的，記憶卻是抽象而虛幻的，這種交錯和矛盾感也把影片放在一種特殊的氛圍裡，有種哀傷的調子，殘酷但又彷彿置身事外。
裡面有些對白讓我印象深刻，無法詳細記錄，但意思大約是這樣的：「記憶是動態的、是活的，如果事件與事件之間有缺漏，記憶會把空隙自動補上。」「給一個人看小時候去遊樂園玩的照片，十張中有一張是假的，那個地點其實他並沒有去過，但那個人在看過所有照片後可以對著那張他沒去過的照片，具體描述出他曾經在那裡做過什麼。」
歷史是真實的，記憶有可能騙人。但如果是一個民族不願回顧的過去，情況有沒有可能相反過來呢？「你只會記得好的事情，這是人類的保護機制。」這是在淹沒世界，控訴恐佈份子的各種指控中，少數站在另一個立場檢視以色列的聲音。士兵以一種不解原因、不問後果的方式成為戰爭的工具，旋轉的華爾滋其實是戰場第一線的生死廝殺，優美的琴音後的連續槍擊和死亡，才是戰事的原貌。而這樣看待戰爭的觀點可以由一名以色列導演提出，更具意義。

我和我的小鬼們 The Class(Entre Les Murs)

2009-03-05T17:20:00.000+08:00

就算聽同事聊起羨慕做老師的有寒、暑假可以休息，或是看著做老師的朋友已經在美國買了兩棟房子，我仍然覺得再也沒有比做老師更倒楣的職業了。從前在學校我就是會把老師弄哭的學生，現在在電影裡看到為難頭痛的老師，我更是寄予無限的同情。
這部看起來很像真實紀錄片的電影，的確讓人感覺耳目一新。在小小的教室裡，導演用運鏡、情緒節奏安排，竟然可以讓影片這麼豐富好看，從老師和校方的成人觀點來看教室裡各個讓人傷腦筋的學生，還有老師背後要面對的家長、校長、同事這些複雜的人事關係，老師雖然在教室裡握有指揮權，但其實卻可能反而是最無力的一方。
裡面提及的種族、同志的討論，任何平時看起來習以為常的選擇和言論都可能被質疑出潛在的意識形態和階級觀念，在沒有禁忌的對話裡，讓我們看到編劇和導演對人性的開放，不像一般倡導師道的電影，影片不安排老師最後感動學生的傳統鋪陳，也因此沒有強調誰是正義的對與錯，並不是老師就是對的，學生順應了老師的安排，人生也並不會就此一帆風順；老師和學生看似緊張的互動關係，反而各自擁有獨立的思考系統，無關仇恨，只是立場不同。影片最後空著的教室畫面，把事情歸回原點，這就是教室而已，他們就是學生而已，像是在說這只是個過程，學生會畢業，老師就是在這個階段給予他們知識的人，是理當要被尊重，但也是可以被挑戰的，老師的痛苦也許就是因為老師也會犯錯，老師也是人，卻又常常必須扮演高尚神聖的角色。

班傑明的奇幻旅程 The Curious Case of Benjamin Button

2009-03-05T15:47:00.003+08:00

對於《班傑明的奇幻旅程》在奧斯卡只拿到技術類的獎項，我並不驚訝，但這並不表示我不喜歡這部影片，只是，也許在情感的張力上，它的確是會被視覺傑出的特效蓋過光芒。
導演大衛芬奇我並不熟悉。即使看過他許多作品：《Zodiac》、《Panic Room》、《Fight Club》、《Se7en》...，卻仍缺乏一種熟悉感。
《班傑明的奇幻旅程》是一部優美的電影。故事說得很慢，也向兩側各自延伸出不同支節，我喜歡它對生命的體會和愛情的表現，還有片中對於命運時機點的安排和巧合那一段的詮釋方法，演員的表現也很傑出，凱特布蘭琪以一種神奇的老太太樣貌說完整個故事，但也許整個故事真的太用力在視覺效果和想讓觀眾相信他們真的變年輕（or變老）這件事上，反而讓演員的情感成了配角。但仍然是個浪漫的愛情故事。

真愛旅程 Revolutionary Road

2009-03-04T18:06:00.003+08:00

李奧納多和凱特溫絲蕾這對在《鐵達尼號》裡的經典情侶，《真愛旅程》就是王子和公主結婚後的生活，當然，不是童話故事裡可以一筆帶過的「王子和公主從此幸福地過一生」。
現實是有重量的。對比April Wheeler，當時她周遭的女性看起來都以老公、孩子為重，而且要在外人面前呈現出幸福美滿的樣子，就像凱特在戲裡問：「這到底是誰訂的規矩？」整個社會對婚姻、對女性有一定的期待和預期，你沒有辦法脫稿演出。
在這樣的婚姻關係裡，丈夫可以接受目前的狀態，也許工作不儘然滿意，但是符合社會的標準，但對妻子來說，是不夠的，她想要有活著的感覺，她想要嘗試年輕時的夢想，不是麻木的、順從的，但就像丈夫和隔壁的男人，即使是性愛，也無法回到年輕時的瘋狂激情，在這整個婚姻結構裡，她一直是孤獨的。
她對自己人生的自覺，趨使她想走出這個困住她的籠子，為什麼一定要在婚後，在郊區找間房子，然後穩定下來，生幾個小孩，為什麼人生除了扮演母親和妻子，不能有別的角色呢？但在丈夫眼中，在旁人眼中，必然是難以理解，為什麼要抛棄這種平實的生活呢？為什麼要再冒險呢？
Revolutionary Road，山姆曼德斯仍然從婚姻關係裡回頭看了當時的美國社會，不像《美國心玫瑰情》那種揮灑的任性，《真愛旅程》比較認真嚴肅，但也因此更加沈重，而飾演女主角的凱特溫絲蕾在現實裡正是山姆的妻子，她用她熱情、富生命力的演出表現了對當時社會勇敢提出反對票的魏勒太太，她對抗的其實並不是她先生，而是整個社會以一種沈默的強迫力規範出所謂的ideal life。

惡魔教室 The Wave

2009-03-04T17:59:00.000+08:00

如果說《我和我的小鬼們》是老師和學生的理性辯論，《惡魔教室》就像個失控的實驗，從教室裡漫延到整個學校和社區。
集體的思想實驗，加上納綷的歷史背景，使整件事的是非更加難以分辨。
要組織一群人，建立認同然後產生信仰，產生約束力進而控制，這部影片就像是教學手冊，觀眾可以一個步驟一個步驟，了解成因、相對成本、產生的影響、後果和代價。
教室原本是學習與授與的地方，但其中隱性的權力、指揮與服從，只要加上一些化學配方便可以輕易煽動起來，將權力集中在一種思想、一個象徵、一個人身上，領導人行使眾人的集體意志，群眾擁抱青春生活中難得歸屬感，雙方都陷在權力的控制與忠誠裡難以自拔，最後要煞車時情況已經失控。
相較德國人不避諱涉入獨裁議題，台灣的影像作品裡除了公共電視偶有對政治歷史的回顧，大多數作者們仍然是迴避討論敏感的政治話題。

魔幻時刻 The Magic Hour

2009-03-04T15:04:00.003+08:00

看完《魔幻時刻》之後，我回頭去找了《有頂天大飯店》來看，即使有設定事件發生的時空，但兩者仍有一種與現實脫離的奇異感。

很久沒有看到這種可以笑到不行又精彩到需要忍不住在戲院裡拍手的影片。佐藤浩市從不同方面來看都是讓影片成功的大英雄，西田敏行的黑社會老大更是讓整個故事之所以可以成立的強大支柱，明明是所有人都那麼認真恐懼的劇情，卻讓人笑到流淚，而許多角色在《有頂天大飯店》裡也都有演出，就像導演的班底一樣，看著熟悉的演員飾演不同的角色，就像看他們在螢幕上表演魔術一樣。

從主角到配角每個人都各有特色和喜感，而且情節流暢安排也常有出乎意料的驚喜，兩部影片裡都有「夢想」等著要實現，有種可愛的溫馨和單純的傻氣，也讓人對三谷幸喜之後的作品充滿期待。

逆襲！怪獸突擊G8高峰會 The Monster X Strikes Back: Attack the G8 Summit

2009-03-04T14:27:00.003+08:00

日本人總有種荒謬的喜感，把荒謬的事情用嚴肅態度分析的研究精神，然後出書、出圖鑑、出電影，呈現一種奇異的趣味。

這部在金馬影展裡看到的影片，真是荒謬得神奇。為什麼吉拉拉會和G8高峰會扯上關係，而且笑點都不在怪獸吉拉拉身上，找來那麼多人，說著那麼多國的語言，用著神奇的演出方式表現各種科技特效，只要對國際新聞略有印象的人，都會被逗得笑到不行。

影片大方地消遣了各國領袖，明白點出高峰會的重點向來都不在解決地球危機，德國總理梅克爾務必要證明她的氣磈給德國男性閣員看看，蘇聯領導人則是擅長採用特務暗殺方法解決問題、法國總統薩科齊只顧著一直把美眉、美國總統當然滿腦子都是趕快打仗；還有模仿安倍的演出，而小泉的扮相更是讓人噴飯，更經典的是北韓領導人金正日的出場，故事結構是常見的人獸大戰，但因為配上各國首相總理，反而突顯人類總是站在正義的一方的自滿心態，也讓人思考這些所謂代表全球人類的菁英到底是拯救地球還是危害地球，以及高峰會舉行的必要性。

冰旅紀事 Encounters at the End of the World

2009-02-21T17:57:00.005+08:00

對於韋納．荷索，我一直有種相見恨晚的感覺，第一次看到《太陽帝國》之後就非常喜歡，這部《冰旅紀事》也是，即使同事告訴我當年荷索為拍片犧牲了許多人的生命，讓我感到意外，畢竟在他的影片裡呈現出的觀點是那麼讓人感動。

裡面有位語言學家說，在地球上沒有被牽絆住的人，就會滑落到地球的最底端—南極。而且他說研究了那麼久的語言學，最後卻來到一個不大需要語言的地方。就如這位學者對著鏡頭的簡單自述，整部影片都讓我們看到了平時根本不會想像得到的生活和思想模式，像另一段他們剛到南極的人必須接受的生存訓練，他們每個人要練習在暴風雪時伸手不見五指的情況下生存，訓練時為了模擬，每個人頭上都反扣白色的桶子，被同一條繩子綁住，由領隊的人帶領方向。但原本嚴肅的訓練因為桶子上畫的各種各樣的臉孔表情，隨著看不見路跌跌撞撞的一群人變得非常滑稽。

或是喜歡播放世界末日影片給大家看的研究站成員、或是走過許多地方，可以表演把自己裝進一個行李被拎著走的女性、或是訪問沈默寡言、長年觀察企鵝的生物學家，被提出企鵝是否有同性戀的可能的問題；加上冰層底下的各種美景、光影、生態，整部影片都是讓我覺得驚喜連連，簡單的畫面裡沒有特別的批判，但沈默的觀察裡卻可以感覺到包容、宏觀、對環境的擔憂、幽默和童心。

也許就像荷索說的，南極是個有著各種奇人的地方，而藉由他帶著德語口音的旁白，也許是進入南極最好的方式之一。

東京狂想曲 TOKYO!

2009-02-15T17:16:00.004+08:00

感覺上，要能夠放在「狂想曲」這幾個字前面的地名，要不就是非常瘋狂的地方，要不就是灰色毫無個性的樣板生活，特別的是，東京都符合以上兩點。

第一篇《室內設計》，維持了我對米歇爾高迪的印象，青春的，有點焦慮，對未來充滿了不確定感。女主角和男友寄居在東京的女性友人家裡，為男主角處理一切瑣事的女主角，對她男友來說，就像是後來她變成的那張椅子，理所當然地出現在環境中，可以視而不見。累的時候就坐下，至於椅子有什麼煩惱，人類當然不會發覺。女主角晚上在東京的街頭遊盪，變成路邊一把被人棄置的木椅，當她在路上逃跑時明明出現的是女性的身體，引起路上的男子驚呼；但經過一個巷子，她回到椅子的形態停在路旁，又再度隱身在環境裡。作為support男友的這個角色，幫助男友完成夢想，女主角的角色具體轉化成一張椅子，她裸身在東京街上奔跑時，就是讓男性大感興趣的女體，但對她的男友來說，她卻只是一個無性徵的物件，甚至不如一把椅子好用。

第三篇《搖擺東京》是最普遍獲得好感的影片，把一個簡單架構的故事說得很有趣。也許是香川照之演得深具喜感，也許是因為蒼井優作為一個送披薩的機器人實在太讓人著迷，雖然我沒有看過在韓國大賣的片子「駭人怪物」，但也因此對奉俊昊導演產生好感。整個故事的細節和場景都很明確，對於長年足不出戶的御宅族來說，家裡的環境和擺設十分重要，畢竟蒼井優是看過他的房間之後動念決定也成為御宅族，像是室內的整齊有條理，昏暗的光線下卻不會給人髒亂的印象，反而有種潔癖和強迫症的聯想；佈滿樹莖的屋子、刺眼的戶外光線，在許多小細節上都處理的具有說服力，讓這個原本應是想像的時空得以成立。
竹中直人演披薩店的老闆，因為他，整個故事更朝向瘋狂的方向走，他是台灣人熟悉的日本演員，在許多日劇和電影像是「水男孩」、「交響情人夢」裡都有讓人印象深刻的演出。我的同事對東京狂想曲下的註解是：第三個故事的女孩真可愛。哈哈，就是蒼井優，她有點憂鬱又抽離的氣質，演出機器人實在是意外地適合，也讓許多人希望真的有這麼一天，會有像蒼井優的女生送披薩到家。

感覺上東京是個無論從任何角度，都讓人有無限感觸和故事要抒發的城市，不知道會不會出現東京狂想曲2，如果有，也會很精彩吧。

情遇巴塞隆納 Vicky Cristina Barcelona

2008-10-19T16:34:00.003+08:00

其實知道它是伍迪爺爺的作品，就該心裡有底，這部片不會像是片商試圖包裝成的浪漫異國電影。
當然它還是有浪漫異國的元素，音樂、美女與俊男，但當然，也會有伍迪爺爺帶點神經質的反覆辯證。
這個故事裡雖然只算有一個男主角哈維爾巴登，但他的重量大大不如另外三位女性：瑞貝卡荷、史嘉蕾喬韓森和潘妮洛普，就像導演也以又欣賞又不解地旁觀研究這三種截然不同的女性，看著她們，然後反覆思考著愛情的各種可能。
唯一我比較無法接受的是潘妮洛普演的愛蓮娜和史嘉蕾演的克莉絲汀娜，兩個人後來也有做愛的安排。倒不是這不會發生，這在外語片裡是稀鬆平常的事，但不知為何，她們兩人在那段演來很刻意，好像都在等著等一下要做什麼動作，然後在接吻後就無法再帶下去，只能讓克莉絲汀娜用口述說：「這一切發生得很自然。」雖然我不贊成有些導演好像是為了女女做愛畫面美麗又能滿足男性幻想而拍攝女女戀，但這段我彷彿就像是看到不敢再看下去的伍迪爺爺一樣，有種奇怪的羞澀和勉強感。
演Vicky的瑞貝卡荷就是頂尖對決裡的雙胞胎的妻子。氣質優雅，雖然不像史嘉蕾那樣容易受矚目，但很耐看。潘妮洛普的愛蓮娜則是有種太漂亮太狂野到連導演也不知道該怎麼處理的感覺，不像阿莫多瓦，感覺導演和她是併肩向前的，也許也是還不習慣她在伍迪艾倫的作品裡，感覺好像她撒了無數油彩，導演卻不知該從那裡下手剪裁畫布。
看電影公司的行銷指出，這是「伍迪艾倫的城市情慾系列」，不知道下個城市是什麼，只能繼續看一直出系列的伍迪爺爺會推出什麼新作啦。

贖罪atonement

2008-10-19T15:28:00.002+08:00

當然這是個煽情的故事，
這是個一開始你就猜到誰會發生不幸的故事。

導演喬懷特在傲慢與偏見的處理，其實我並沒有什麼感覺，但在贖罪裡，的確經由攝影手法和編劇的時間對照，讓故事結構起來而且交互作用。
在一些地方，例如羅比被押進警車裡用倒帶的方式表現，意外給了觀眾類似思緒回憶般的步驟，有種對往日無法追回和彌補改變的無力和傷痛。其中攝影的表現的確傑出，海灘的戰爭場景，用一鏡到底的方式，讓我們感覺士兵對戰事的無力渺小和無法消化的挫敗感，在許多幕我們看到像是莫內畫作般日光稍縱即逝的美景，走在如畫般草地上的羅比，他的處境就和在大宅裡一樣尷尬不相容，周圍的美景不屬於他，穿著軍服的他在花叢裡，就像整部電影的調性，美麗但殘酷。
編劇試著利用時間交錯，前後對照出整個故事的輪廓，配合滲透力強的配樂，光是聽到音樂的氛圍都會有痛的感覺。

莎柔絲羅南飾演的白朗妮清新立體，看起來像是飛起的紙片，輕柔但擁有所有人意想不到的殺傷力。
影片一開始的打字聲就已經切題，白朗妮是作者，也是上帝，她可以決定所有角色的生死，就像她一開始唸給母親的劇本，主題就是判刑，而她是導演。羅比和西西麗雅就像是白朗妮房間裡的動物模型一樣，必須依照她的安排走往她決定的方向，在書裡她給了他們現實無法擁有的幸福，但整個故事最讓人悲傷的地方就在這裡，他們的幸與不幸都是由白朗妮決定，羅比和西西麗雅一生苦苦追求但得不到的相守，失去和獲得最後竟都諷刺地輕而易舉。

就像口白人生裡達斯汀霍夫曼對著威爾法洛說他必須死一樣，這個故事必須是個悲劇。羅比必須和西西麗雅永遠分離，而沒有比死亡拆散了一對戀人更美麗殘酷。也因為它是悲劇，才能產生這麼大的力量和共鳴。

瓦力 WALL.E

2008-08-09T16:22:00.003+08:00

我其實還是喜歡以前的皮克斯。當然現在的皮克斯有著迪士尼更大的金援，也有更多資源可以宣傳、使用，但從前那個以小眾起家的皮克斯，仍然讓人懷念。

整體來說，瓦力很有趣，故事flow也很順暢，也顧到每個角色的完整，而且視覺特效對細節、美術的掌握，從機體變形的結構來為角色加分，這些努力都讓人印象深刻，但，瓦力並沒有提出強而有力的觀點，或是這個觀點有些被模糊掉。
我覺得之前皮克斯的作品，是給成年人看的，不管是「超人特攻隊」裡超人對中年以後自己生活重心的失落和中年危機的憂慮，或是"CARS"從一條沒落的公路重新定義成功的價值；或是「怪獸電力公司」顛覆的創意，討論社會體系互貼標籤和刻板污名化的印象，當年讓所有人驚豔；這些動機、事件起因（也就是故事的出發點）都需要一些簡單的社會經歷，才能比較迅速地體認到動畫裡溝通的認同，當然學生和小朋友也還是可以從豐富的視覺呈現和故事裡得到娛樂。但瓦力的點我個人覺得比較簡單，也比較淺，把故事收在小朋友也可以看懂的情感，對於一些事情的合理性也較忽略地帶過，是很可惜的地方。

也許是更淺的「快樂腳」竟然打敗"CARS"拿了奧斯卡，給皮克斯的打擊太大，所以瓦力的故事更是全面鎖在環保議題上，雖然瓦力我仍會說好看，但如果要一一比較裡面的笑點，都可以在之前皮克斯的作品裡找到模式。

不再用動物來做主角，大膽選擇機器人來表現，主題還訂在未來，都是很好的突破，期待皮克斯可以擺脫迪士尼的偽善和矯枉過正的政治正確，給我們更不一樣的東西吧！

黑暗騎士 The Dark Knight

2008-08-09T15:18:00.005+08:00

因為希斯萊傑的死亡，所以也許會讓人覺得蝙蝠俠不夠像主角。
但為何以個人命名的電影，就規範主角只能是一個人呢？

同時處理眾多角色，但維持了每個個體的完整性，在很短的秒數裡，讓摩根費里曼、米高肯恩、蓋瑞歐德曼這些頂尖的資深演員可以把角色完整呈現出來，他們端出了好料，大廚沒有糟蹋，導演克里斯多福諾蘭的確完成了一部讓人同時享受娛樂和感動的好電影。

這次是瑪姬葛倫霍飾演瑞秋，她的第一個鏡頭就是切得很近的大特寫，我想也許有些人覺得她不如凱蒂荷姆斯年輕漂亮（雖然我個人覺得她好過凱蒂太多），但她的確讓瑞秋不再是上一集裡需要蝙蝠俠營救的小女生，她讓瑞秋真的成為獨立智慧的女性，而且這個角色在這集就被結束掉，承接上一集大家對角色的既有認定，又沒有之後其他續集的後續發展，這個角色也許不是眾多女星人人都願意演出，但瑪姬表現了凱蒂荷姆斯沒有演出來的自主與自信，也許也是因為這個原因，所以這樣的瑞秋不會再和蝙蝠俠一起，在螢幕上他們兩人的愛戀火花也無法像上一集那樣煽情。

看著希斯萊傑其實心情還是有些複雜。在「迷幻甜心」裡的澳洲小鎮，他看著倒在沙發上，因吸毒過量暴斃的傑佛瑞羅許，而在現實中，他的遺體也已被送回澳洲下葬，我們就只能在螢幕裡懷念他了，而他真的把小丑詮釋得很棒，就像劇本裡描述的，沒有計劃的小丑，只喜歡追車真的追到了卻不知要做什麼才好的小丑，一切沒有規則的小丑，平常逗大家開心，但嘴唇裂得太開讓小孩子害怕的小丑，現在，真的表現出他的黑暗面。

這整部從各方面討論人性黑暗的電影，把每個觀影的人都拉進電影裡，我們不再只是看著某個英雄，你也有機會成為英雄，如果你也必須選擇，你會怎麼做？劇情快速和交錯地從各方向向下進行，在你擔心可能會出現老梗的橋段時，持續讓人驚喜，而一般續集電影總是沒有目的地一直加入新角色卻不見效果（啊，還有人記得蜘蛛人後來到底在幹什麼嗎？）但，幸好，有蝙蝠俠，可以讓我們愉快地保持期待。

天堂此時 Paradise Now

2008-07-12T23:27:00.003+08:00

透過歐美媒體，我們大部份人都知道以色列在軍事和經濟上的強悍，當有爆炸案發生，我們第一時間也會想：又是恐佈份子幹的吧！然後我們的新聞媒體也會在編譯CNN的新聞畫面後下個結論：台灣目前不會受到恐佈份子的威脅。
非常簡單，反正都推給他們就好了。
「天堂此時」難得地試著用另一邊的角度，更難得的是讓世界上的其他人看到。
跟著影片，發現那麼無用（同時無害）的兩個人，會成為報紙上的頭版照片，會有一個統一的名字：terrorist。
試著向完全不同文化背景、經濟水平和社會信仰的其他人說明，是什麼樣的信念會讓他們做這樣的選擇，又或者光是試著說明他們也許沒有選擇，就已經是十分困難的事。
「天堂此時」並沒有試著合理化他們持炸彈的行為，但可以讓我們用短短的90分鐘，只是看看，看看巴勒斯坦人的生活，看看他們的母親，看看他們也想談場戀愛。
本片贏得2006金球獎最佳外語片，2006奧斯卡最佳外語片提名，沒有拿到奧斯卡，不令人意外，希望有機會可以上院線，也希望如果你有時間，可以看看這部片。

另一個愛情故事 Just Another Love Story

2008-07-12T23:14:00.004+08:00

兩個彼此無關的群體，要如何互動出一個新的愛情故事？
它就這麼發生了，像是取樣般各抽出一個人，再把這兩個人放在一起。

因為一場意外車禍，而創造出的愛情故事，在你覺得猜到之後的發展時，它又轉了一個方向。色彩抽離奇異，劇情像是可以預料也出人意外。

同時幽默。如果上院線不妨去看看。

公主追殺令 Princess

2008-07-12T17:23:00.004+08:00

在一次電視節目裡日日春協會和流鶯的訪談中，聽一位社會工作者提到：「對性工作者的態度，往往代表一個社會對性的態度。」
「公主追殺令」裡透過情色工業所衍生出各種身分的對立和衝突，丟出許多問號。

奧古斯特在全片裡不斷地試圖以各種方式恢復他姐姐的原始身分，世上沒有什麼A片女優「公主」，只有他的姐姐汀娜。奧古斯特的問題，就是大家對A片女優的崇拜和習以為常。這種產業的行銷結構，消費掉許多女孩，和那些女孩的家人。

一般社會對情色生意都有既定的刻板評價，A片女星走在成名和道德之間的模糊地帶，本片把A片女星和妓女放在一起，衝擊觀眾的傳統認知：妓女就是低賤的嗎？如果透過鏡頭拍攝販售就反而變成人人欣羨的電影明星？A片女星可以公然地宣傳自己的限制級電影，但妓女卻必須躲躲藏藏，如果色情是罪，那麼目前社會對情色工業的道德漠視反而呈現出一種異常的矛盾。

奧古斯特對情色工業的仇視，是因為他們把姐姐變成了A片女星？還是成為A片女星的生活方式殺了汀娜？奧古斯特銷毀了所有汀娜的影帶、光碟、所有公主曾經存在的記錄，但奧古斯特曾經也是個喜歡拿著DV拍東拍西的年輕人，甚至第一支公主主演的色情片還是奧古斯特協助拍攝的，他想要銷毀的是公主的存在還是自己的罪惡？如果人類對於鏡頭的窺視本能地無法抗拒，這是否足以合理化人們對於情色影片的迷戀？

「公主追殺令」包含了兩個主要的視覺語言：色情和暴力。
在許多電影分級制裡暴力其實比色情更容易過關，「公主追殺令」的故事看似是主角奧古斯特一一除掉把他的姐姐變成A片女星的情色工業黑手，但在這個過程裡是否色情已被暴力取代，以另一種煽情在螢幕上揮灑？

米亞，是汀娜留下來的女兒。奧古斯特把她帶離妓院，但完全不知道該怎麼跟幼小的米亞一起生活。米亞並不如奧古斯特想像地純真無邪，在她身上奧古斯特只看到更多情色工業的遺毒，透過小女孩來呈現，和暴力的鏡頭同樣驚悚。奧古斯特阻止米亞模仿汀娜在影片裡的動作和叫聲，卻要米亞幫助他倒汽油、拿武器，如果暴力的影響等同色情，這是否可以表示復仇的盲目讓人們自相矛盾？但讓米亞攻擊曾經傷害過她的男人，是否又是一種變向的治療？

查理，是姐姐汀娜的男友，也是創造公主的推手，是否像查理所說，因為奧古斯特愛拍攝，所以其實是他把自己的姐姐變成A片紅星？查理代表終極的罪惡，奧古斯特必須一路清除各種阻礙才有機會接近查理，但復仇畢竟是盲目的，最後奧古斯特的安排殺了他自己和米亞，查理仍然活著，觀眾需要查理死亡來得到正義伸張的慰藉，這樣的結局安排是否也表示在現實生活裡，情色幕後的黑手不可能消失，汀娜喜歡查理，米亞也喜歡查理勝過奧古斯特，人類被邪惡吸引的無盡輪迴只能不斷上演。

「公主追殺令」大膽地質疑丹麥社會對情色的支持和開放，同時藉由小女孩米亞和奧古斯特傳教士的身分把傳統的禁忌和概念進行比對和檢視。片中電影從業人員認為，公主只不過是A片工業的一小塊而已，奧古斯特實在不需要如此過度反應，也許就像片中的老妓女凱倫說的：「這件事，每個人都有責任。」

潛水鐘與蝴蝶 The Diving Bell And The Butterfly

2008-02-28T17:50:00.004+08:00

飾演男主角尚—多明尼克的大帥哥演員馬修阿瑪瑞克（Mathieu Amalric）我上一次對他有印象是在2006的金馬影展裡。在「小情人大風波」（A Curtain Raiser）他只是配角驚鴻一瞥，當然他還有在「幕尼黑」、「凡爾賽拜金女」、「威尼斯早晨」裡演出，只是都不如這次會讓人絕對記憶。
雖然影片的前半部他在潛水鐘裡，但我們其實感覺不出重量的。透過主觀鏡頭的位置和口白，我們聽見男主角在想什麼，而看不到他中風後的樣子。他仍然就是那位風流幽默的雜誌總編，欣賞美女治療師，愛看球賽。
像是違反觀看這類主題的電影的規則，在戲院裡，你一定會被多明尼克的風趣給打動，他自我解嘲，而觀眾也可以理所當然地笑出聲音來。
但影片最後，你會知道，他是在潛水鐘裡，你會被悲傷衝擊，只是他讓你相信自己可以像蝴蝶一樣飛翔而忽略了現實的重量。
導演採用了很多主觀鏡位，而不是客觀看著一個在輪椅上麻痺的人。說故事的方法也很不同，影片表明沒有要你買面紙帶手帕的打算，我還沒看過原著，也許這也是書裡的方式。
一般影片常常都用很強烈的不幸來警惕世人，但「潛水鐘與蝴蝶」卻處理的很平等，好像在說「這就是人生，你會擁有你的幸與不幸」，看完影片之後也因此反而產生更多的思考和反省。

以下節錄自對白：
「如今在我看來，我這一生只是一連串的小失誤。
不願意抓住的幸運，放任溜走的快樂時光，是從前我眼瞎耳聾，還是非要有一道不幸的光，才能照亮我真正的本質？」

竊聽風暴 The Lives of Others

2008-02-28T16:37:00.003+08:00

「竊聽風暴」一開始就讓我很震撼。
「犯人如果無罪會越來越憤怒。由於受到不公平的對待，他會咆哮、甚至暴怒。
如果有罪，不是越來越鎮定、沈默，就是痛哭流涕。
他知道自己為何會來這，確認有罪或無罪的最佳方法，就是不間斷的重覆訊問。」

「從他的供詞中，你們發現什麼？」
「和原來一模一樣。」
「完全相同，一字不差，說實話的人會重組事件，他們的確是如此。
撒謊的人卻早就準備好了說詞，一旦承受壓力，就會重複這些。」

影片一開始我們就從男主角衛斯勒為祕密警察上課的內容開始，快速地了解到他大約是什麼樣的人。當有學生舉手表示過度冗長的審問會讓嫌犯太勞累時，當場就被衛斯勒默默地在座位表上打了記號。準確、細心、冷酷，完美的祕密警察，抽掉幾乎所有的人性面，直到因為監控劇作家德瑞曼而陷入他們的生活裡。
看到這麼一個冷血的人在螢幕上動心其實是很有爆炸力的。原來審問室裡的樣子，絕對的信仰，但迷戀上德瑞曼的女伴克麗絲塔。壓抑的、澎湃的情感，但衛斯勒是隱形人，就像他監聽的世界一樣，劇作家和女伶是活生生的，衛斯勒卻是不存在的。
男演員歐路奇莫赫（Ulrich Muhe）一定會讓我們想起凱文史貝西，所以異常親切。他創造的衛斯勒同樣精準，沒有外顯情緒的大波動，但深刻傳達了他因為愛而從無情到溫柔的巨大轉變。
對劇作家的生活來說，衛斯勒就像抽離現實的神祇，從高處靜靜觀看，不涉入他們的生活。而到了後來劇作家和女伶產生利益衝突的時候，衛斯勒也真的像神一樣，自我犧牲來解救他們。也許是因為自我投射，德瑞曼可以是另一個衛斯勒，可以自由、可以奔放，可以光明正大愛克麗絲塔。
德瑞曼像是衛斯勒愛幕著克麗絲塔的感情裡的第三者，而衛斯勒又像是劇作家和女伶之間的第三者，最後女伶出賣劇作家而後意外身亡，克麗絲塔成為忠誠裡背叛的第三者，這三個人的三角關係，互補又錯位，角色多面而易變。
一直在暗地裡的衛斯勒到了最後也成為被觀察者，柏林圍牆倒塌以後才知道衛斯勒的存在的德瑞曼，觀眾跟著他發掘現在的衛斯勒在哪，在做什麼，又是角色再一次的互換。最後拿著書去結帳的衛斯勒，店員問他是否要包裝送人，他看著劇作家獻給他的書說：「這是給我的。」
巧合安排稹密，節奏緊張流暢也很感人，在猜疑裡表現人性很大的溫柔和包容。榮獲無數歐洲大獎，也是第79屆奧斯卡的最佳外語片。

羊男的迷宮 Pan's Lapyrinth

2008-02-28T15:29:00.007+08:00

整個農曆年混亂地看片，這部片卻在其中留下痕跡，像是被人重重踩了一腳。
我向來習慣先對影片情節保持一知半解進戲院，然後等著看導演將要給我什麼。
看得出片商有些刻意想把影片帶往奇幻體質來包裝，希望可以增加一些票房。這部在79屆奧斯卡提名六項，三項得獎的影片，雖然看起來都是技術類的獎項（「最佳攝影」、「最佳化妝」、「最佳藝術指導」）但其實仍有豐富的故事。

導演喬勒蒙‧迪‧多羅(Guillermo del Toro)執導過「刀峰戰士」「地獄怪客」等片，但這幾部片我都沒有看過，只是我想光看片名就知道導演對特效操作的功力。
我喜歡導演把影片整體先帶往的方向。因為切入的角度，一開始會相信地底下的王國真的存在的，羊男確實存在，可以恢復奧菲莉亞的公主身分，只要她完成任務，至少我是這樣相信。

然後跟著奧菲莉亞冒險，見識各種奇怪的怪物角色和精靈。但現實的故事線也繼續走，奧菲莉亞的母親因為懷孕不適，奧菲莉亞有失去母親的可能，而假使不幸發生就只剩下她和殘酷的繼父—維達上校共同生活。為了救母親，奧菲莉亞聽了羊男的建議，把樹根放在母親床下以牛奶浸泡，並以血餵養。觀眾必須和奧菲莉亞同樣相信魔法和童話，這樣整個故事才能繼續下去，我們會成為電影裡的奧菲莉亞，而不是她的親母或繼父。

到了影片最後，也許我們可以仍然堅持小女孩的信念，她終於成為公主了，而不是被上校近距離槍殺。但我想導演在這裡改變了一些作法，在奧菲莉亞斷氣之後繼續把故事再講一小段，間接使觀眾意識到也許這地底王國只存在在奧菲莉亞心裡。也因為之前身處在童話裡，一下子回到現實世界，以現實角度了解到沒有出口的奧菲莉亞，親生父親早逝、母親再嫁難產死亡、被繼父囚禁，完全看不到未來希望的11歲，太大的衝擊和重量讓奧菲莉亞的死亡顯得更加令人難以接受。
據飾演片中上校角色的男演員說，他的角色才是唯一的怪物。其實很有道理，所有任務要解決閃避的怪物都是他的分身，而隨著小女孩的處境越來越艱難，怪物也越來越可怕，影片裡的怪物也和一般刻板印象的合成獸不同，人的感覺很強，即使沒有好萊塢電影裡的暴牙和溼淋淋黑漆漆的造型，卻也因為更有人味而加倍可怕。

對奧菲莉亞來說，童話是她的逃生口。但即便如此，她的故事卻不是小矮人和七仙女，而是真正造成生命威脅的怪物。透過奧菲莉亞看到整個當時環境和革命的西班牙，善良的女管家瑪賽迪斯就是現實裡長大的奧菲莉亞，只是她的童話應驗使她活了下來，而奧菲莉亞沒有。整個故事感人而悲傷，在華麗的特效之下，有簡單真誠的情感呈現。

深夜在加油站遇見蘇格拉底 Peaceful Warrior

2008-02-28T15:10:00.003+08:00

也許是因為這個這麼直接的中文片名，讓這部電影在貨架上顯得有些奇異的色彩。
一般來說，我不偏好勵志主題，但由尼克諾特這個常演討厭的怪老頭來說服，反倒不會反感。
直到租片回家才知道這是美國片，另外再附上美麗的男體，也許對許多人來說也算賞心悅目吧！

以下節錄自對白：
「最無法討人喜歡的人，通常最需要愛。」

「你要了解自己的抉擇，對自己的行為負責就好。」
每個行為都有代價與快樂，了解這兩點才能腳踏實地。」

「死亡並不可悲，可悲的是多數人根本沒有真正活過。」

「當你感到害怕，就抽出劍，揮劍斬斷所有雜緒，砍斷所有悔恨、恐懼，斬除過去、未來的包袱。」

「幾乎所有人都經歷這種痛苦，得不到就受盡折磨，就算得到，苦難也不會結束，因為你無法永遠擁有。」

總統 The President

2008-02-28T15:04:00.003+08:00

這部電影在這個時間點看，其實有些對照的敏感。
裡面的對白拿出來和我們真實的生活比較，卻也有趣。

節錄一段電影裡的對白：
「因為政治沒有其他，就是愛群眾！」

「我不知道誰幫你寫演講稿，
內容根本不知所云，
別忘了你是在對牛彈琴，
而牛就是需要安撫。」

婚禮之後 After The Wedding

2008-02-28T14:48:00.003+08:00

這整個農歷新年，我繼續補交作業，到出租店把名單上的片子一片一片租回來。
其中「婚禮之後」是我看的第一部。
我覺得歐洲演員都有很厲害的功力，在不同電影裡把自己變成完全不同的人。好萊塢的明星著重在個人特色，但歐洲演員總能融入角色而不落痕跡。男主角麥茲米克森，表現了完全不同的樣貌，需要花一些時間告訴自己在「亞瑟王」、「007皇家夜總會」和「只賣有機肉」裡這些截然不同的男人其實是同一個傢伙。
整部電影呈現了另一種看待世間的方式，雖然我覺得在劇情上也許太過峰迴路轉，但導演仍然細膩流暢地鋪陳出整個骨和肉，抓住整部影片的步調和觀眾的呼吸。

誰才是導演 Clash of Egos

2008-02-28T13:58:00.003+08:00

看電影的人如果知道整個電影工業的運作模式，不知道還能不能用同樣的心情欣賞。
這部在2007台北電影節的開幕片，很犀利也很爆笑。
電影的門尷到底有多高？電影是一門專門的技術和藝術，如果同意「迎合大眾口味的便無法成為真正的藝術」，那電影的角色定位在哪？
一個沒有電影學習和製作背景的普通人可以拍電影嗎？又會拍出什麼樣的電影？而這部毫無章法的片子竟然可以得到影評很高的評價？票房又真的代表了影片的價值嗎？
在各種荒謬的情境裡，被定型的社會角色和身分，藉由被扭曲而一一重新被檢視。

片中的對白有趣又富有張力，湯尼質疑克勞斯的運鏡方法，克勞斯強調這是電影拍攝的手法，叫做「疏離」，可以讓觀眾與劇情暫時脫離，進而讓觀者意識到自己是在電影院看電影。湯尼說：「我花三百多塊進戲院，就是要讓你告訴我我在看電影？」兩位男主角也分別扮醜，電影結尾湯尼的大製作更是影涉了昆丁塔倫迪諾的「追殺比爾」，螢幕上髒話和濺血飛灑四處，也完全違背湯尼當初想要拍一部適合閣家觀賞的電影的初衷。
而不只是電影，影片幾乎涵蓋了所有可能與電影產生因果影響的人：導演、編劇、製片、大明星、臨演、工作人員、贊助商、觀眾、影評……透過電影，戲外創造了更多充滿人性張力的情節與互動，使整部影片豐富完整。
影片最後湯尼一家人決定選擇去動物園而不看電影，再把整個討論顛覆，幾乎每部北歐電影的創意都讓人驚喜，「誰才是導演」也絕對是值得一看的佳作。

不過如果以這部電影的邏輯，我們這些看完電影寫感想的作法，也不值得鼓勵吧^^

迷幻公園 Paranoid Park

2008-02-28T13:13:00.002+08:00

電影裡女孩跟男主角說，如果有祕密，把它寫下，收起來、寄出去，或是燒掉。
然後就會覺得好過些。
葛斯范桑的電影，常給我一種獨特的美國味道。這部電影，杜可風把它拍得很漂亮。就像青春一樣，珍貴短暫，彷彿是人生裡最美好的時光，但又因為稍縱即逝，所以總會帶著哀傷。
男主角和他滑板的世界成為電影裡美麗的風景。
死亡的陰影也追趕出青春更多變的顏色。

被遺忘的1937 Naking

2008-01-02T19:10:00.000+08:00

我想這部影片並不能算佳片。
它似乎太過用力想要讓人相信當時確實發生了這些事件，明星的臉孔雖然是演出真實的人物，但反而顯得不大自然。
但我想對台灣人來說，應該少有人會懷疑影片裡描述的是假的。
這曾算是一部份的課本知識，除了慰安婦阿嬷抗議的新聞偶爾有機會短短出現之外，這個議題我想已完全走出台灣人的生活了。
台灣人愛日本。愛日本人。不管是文化方面、消費用品方面、飲食方面，日本的每一面我們都迷戀不已。而日本人的確在許多方面有非常傑出的表現，但擺明這個主題在台灣會是相當低的關心度，台灣人不介意當年發生的事，大家也普遍不關心發生在阿嬷身上的不辛，但我們的不介意，恐怕不是來自於寬容，又是無知。在電影院裡與我一起看這部電影的只有另外3個人，而其中兩位應該是把它當喜劇片看，雖然我不知道笑點在哪裡，雖然我不知道看著白髮蒼蒼的婆婆說著怎麼被強暴哪裡好笑，看著垂垂老矣的日本兵說著怎麼殺平民百姓會很有趣，但事實在眼前，的確有人可以把這樣的電影當賀歲片來欣賞。
當然這部電影並不盡然擁有讓人絕對同意的立場，由外國人出資拍攝，外國人在影片裡仍然是東方人的救星，但諷刺的是賣武器給日本的就是美國，而在國際上強勢蠻橫聞名的中國似乎也不適合扮演這樣楚楚可憐的角色，畢竟時至今日人事以非，當時的災難並不只限於中國，這樣的正義要全數奉還給現在的大陸當局恐怕也並不妥當。
但這仍然是台灣人的一個機會，有一個機會我們可以知悉歷史，在這個政府當局迫不及待割掉過去的時候，而台灣人向來最難學會的課題就是寬恕和包容（也許我應該修正為政客一直學不會的課題），歷史是無法被改變的，能改變的是我們對待歷史的態度，在我們欣然接受某些即成事實的現狀之前，也許我們可以藉著更了解背後的成因和歷史沿革，決定自己的觀點和態度，「接受」表示知情而且選擇了面對的態度，就不再是盲從和鄉愿，這也是歷史給予人類的智慧。

4月3週又2天 4 Months, 3 Weeks & 2 Days

2008-01-02T18:08:00.000+08:00

對於今年金馬影展繳了白卷的我來說，最近就像是去長春補考一般，把一部一部片單裡的遺憾補回來。
我對羅馬尼亞的電影一無所知。事實上，我對羅馬尼亞這個國家也一無所知。
時間地點設定在羅馬尼亞共產黨垮台前的最後一年。我想也許是因為這個社會背景，墮胎才必須絕對的保密。
兩個女生，一個要墮胎，一個協助她。我感興趣的是這部電影裡的女性角色。這兩個女生，懷孕的那位—嘉碧塔，完全看起來像無行為能力者，不敢打電話、不會做決定，一些張羅事宜、和密醫交涉全部得靠女主角歐蒂莉亞自己處理。嘉碧塔像是傳統未婚受孕的女生，是典型的被害者，得靠外界伸出援手來拯救她，有趣的是一直試著救她的王子卻是另一個女生—歐蒂莉亞獨立聰明，約定墮胎的這天是她男友母親的大壽，她往來奔波來回處理每個非她不可的狀況。
這情況挑釁了大半主流電影裡女性總是必須等待男性救援的固定走向，延伸出為什麼女性會成為社會裡或戲劇裡被動的弱勢角色，為什麼女性總是要被拯救，又如果施救者也是女性會如何。
而男性在這部電影裡出現最強烈的象徵就是那位密醫。他就像一直沒出現在電影裡—讓嘉碧塔懷孕的那個男人一樣負面。先是一個傢伙讓嘉碧塔懷孕，所以這兩個女孩才要四處借錢、偷訂旅社約密醫墮胎，結果密醫除了要錢還勒索要與兩個女生發生性行為。友誼到底可以做到什麼程度？看起來嘉碧塔闖的禍一件比一件難以收拾，歐蒂莉亞雖然現代自主，但男人再次把她打回刻板受苦受難的女性樣版。
這部電影裡我們看不到任何的性愛畫面，但問題都源自與此。先是性愛造成了嘉碧塔懷孕，然後密醫強行要求性行為；甚至是後面流出來已具有嬰孩樣貌的胚胎，所有的麻煩和後患無窮都是因為不當或不成熟的性。
嘉碧塔把流出來的胚胎留在浴室地板上，等著歐蒂莉亞回來處理，把孩子包在毛巾塞在包包裡的歐蒂莉亞，在暗巷裡像是走了無盡的路，這時她又像母親，帶著一個已無生命的孩子，但無奈的是她唯一能決定的是可以在哪裡丟掉它。
整部電影的手法寫實，事實上有流血的畫面不多，除了毛巾上流體的嬰兒雛形，其實並沒有出現什麼血腥的鏡頭。但那些看不見的部份卻主導了整個劇情，和造成整部影片可怕的張力，我們只看到下體裸露到浴室清洗的歐蒂莉亞，但被迫與密醫發生性行為的過程更因為看不到而加倍駭人。
我保留一般認為導演是在控訴墮胎的這個立場，因為我並不認為出現嬰兒的樣貌就是殘忍，就像並非出現戰地屍首的畫面就是反戰。我反而欣賞導演採用的開放態度，包含男性與女性，現實與母性，各自擁有不同的理由和不同的不得不，讓這整個議題被充分的注目和討論，在這其中讓我們看到最真實的人性。
就像是走在雪地裡一步一步辛苦地艱難地，每踏一步都會留下深深的鞋印，整部影片包含結尾都簡單有力。發生在幾個小時的時間裡，從兩個女孩身上看到整個社會的無力和無奈。

開羅紫玫瑰 The Purple Rose of Cairo

2007-12-23T16:30:00.000+08:00

這是我看的第一部伍迪艾倫的電影。

在浪漫的概念底下，豐富有趣的討論。
隔了幾年，再看一次還是很有趣。

整個故事其實很簡單，就是有個很愛看電影的女孩，
有一天電影裡的某個角色愛上了她，走出電影，
現實裡的男演員後來也出現，大家試圖要弭平這場混亂。

「開羅紫玫瑰」這個片名和電影裡女主角—西西麗雅一直重複看的那部片同名，我看過幾部後設電影，但我想在開羅紫玫瑰裡，這個概念和形式的確用了很有趣的表現方式，被反覆探討。現實和電影的差異到底有多少？電影裡的人可以在真實世界生存嗎？人又能在電影裡生活嗎？如果可以選擇我們會投向哪邊？

西西麗雅應該會讓很多影痴很有認同感，熱愛電影，在電影裡擁抱著浪漫和美好，暫時以此忘卻現實。西西麗雅的現實也的確讓人很想抛開，糟糕的婚姻關係、游手好閒的丈夫和衰敗的經濟現況，現實的老闆和瑣碎又不適合她的工作。

不管每個愛電影的人、進戲院看電影的人到底是否把自己投射成銀幕裡的角色，我想每個人都喜歡感受電影裡的生活，就像感受電視裡的生活，即使是日常一般的事，透過銀光幕就變得很魔幻誘人。（這也是廣告一直存在的原因）

電影裡的湯姆巴斯特走出銀幕，愛上現實生活裡的西西麗雅，湯姆巴斯特浪漫、專情、勇敢、熱誠，幾乎集合了所有女性喜愛的特質，他是無瑕的，因為他是個「概念」。所以他不知道在現實中開車需要鑰匙，在餐廳吃飯要付真鈔、接吻後做愛前畫面是不會淡出的。

湯姆邀請西西麗雅進入戲中戲的電影裡，和他們一起去俱樂部，享受銀幕裡的生活。好像是為求公平而與現實生活相較，電影裡的東西是否像它看起來那般美好，西西麗雅發現香檳其實是薑汁汽水，而旁邊的角色和她說：「電影就是這樣的！」

為了和西西麗雅在一起，湯姆學習著所謂的「真實」，但有趣的是，像銀幕裡等著湯姆歸隊的其他角色說的：「虛構的人想要真實，真實的人卻想要虛構。」人們反覆進電影院看著銀幕光點的閃動，像等著被催眠一般等著陶醉，而電影裡的人卻希望自己可以有選擇權，可以自由做自己想做的事，想走出那個虛構的世界，但其實就像角色演膩了千篇一律的劇情，重複再重複地走位和唸白，現實生活裡的人難道就有比較多的選擇權，可以拒絕重複的生活節奏和規律無趣的工作，而擁有選擇權難道就比較自由嗎？

後來也遇到西西麗雅的男演員—吉爾謝弗德，他剛好是湯姆巴斯特最好的對照組。他演活了湯姆巴斯特，對一般人來說他是位演員，是個帶有不真實色彩的明星，但之於湯姆巴斯特，吉爾卻成為實實在在的真實男性。他不由自主地也被西西麗雅吸引，而他又必須拆散湯姆和西西麗雅，這樣湯姆才會回到銀幕裡，戲才能繼續放映，吉爾的演藝之路也才能繼續。

相較於和湯姆巴斯特在一起，吉爾謝弗德希望西西麗雅和他一起去好萊塢的提議似乎更不真實。但西西麗雅還是覺得她是個真實的人，她活在真實世界，即使看起來最不真實的事發生了。她拒絕了湯姆巴斯特，放棄了這個完美的概念，選擇真實的吉爾。但吉爾卻丟下了她，達到讓湯姆回去電影裡的目的後，他丟下西西麗雅先行離開。擁有選擇權似乎仍然無法代表擁有自由，所謂的真實其實是比較得來的，相較於湯姆也許吉爾代表真實，但相較於現實吉爾仍是個包裝之下的產物，是個「明星」，就像其實吉爾謝弗德也是個藝名，他也只是另一種形式的概念。

湯姆巴斯特在戲中戲「開羅紫玫瑰」裡尋找一種傳說中的紫玫瑰，這朵紫玫瑰成為整部電影的核心，它是湯姆得不到的現實、是西西麗雅無法擁有兼併真實和電影，那種進乎完美而又類似夢想的物質；它是吉爾可能錯過的真愛，也是所有觀影人試著在銀光幕前搜尋的答案。

我很喜歡電影最後一幕的安排。好像是暗示Happy ending只有在電影裡會發生，就像「開羅紫玫瑰」終究會下檔一樣，西西麗雅的夢也結束了。她得知吉爾的離去，帶著行李再度進入戲院裡坐了下來，戲院裡已經換上了新的劇碼，新的電影。失望沮喪的西西麗雅漸漸注意到銀幕上的光影閃動，她的注視裡好像慢慢地產生的光彩，就像重新點燃了希望，但不是那種刺眼地呼口號式的，彷彿有包容和釋懷，又好像再度進入了她曾有機會生活在其中的電影世界，她曾喝過的薑汁汽水香檳。就像電影的本質，人造的夢想，雖然虛構卻是無數人永遠的避護所。

在角色與角色間的對話流暢精彩，伍迪艾倫同為這部片的編劇和導演（他好像一直都是），整部電影仍有他那種超現實的、焦慮的、荒謬的喜感。

這部電影可能演出了許多為電影執著的人的夢。
而我們仍會繼續在銀幕前迷醉。

P.S.想要表達比較類似於"Screen"，而使用「銀幕」而不是「螢幕」。

塔羅牌殺人事件 Scoop

2007-12-19T19:06:00.000+08:00

伍迪艾倫的電影我才看了三部，這就是第三部。
因為不夠熟悉，所以伍迪艾倫對我來說還是新鮮的，即使電影的手法對於部份影迷來說與之前的作品類似，我也看得愉快。
伍迪艾倫演魔術師時，我身旁的觀眾小聲驚呼：「哇！他已經要七十歲了吧！」（Woody Allen生於1935年）他看著台下的觀眾，小心地享受著掌聲，我覺得他的表情彷彿在問螢幕前的我們：「還喜歡這部電影嗎？」
影片一開始演出死神的那段，包括看起來有點克難的幽冥船，都逗得我發笑。我覺得從這部片裡也很輕易地可以體會伍迪艾倫式的幽默，即使是帶點神經質的，即使這部電影可能不夠經典到拿來推薦認識伍迪艾倫，但我想還算輕鬆好消化。

凡爾賽拜金女 Marie Antoinette

2007-11-25T13:41:00.000+08:00

和一般人一樣，我也是從「愛情不用翻譯」認識蘇菲亞柯波拉。
雖然這部影片的確和我想像中有些許出入，不過我想會進戲院本身也就是期待導演會給觀眾一些未知的驚喜。
嚴格來說，這類的主題有很多種操作的方式，而導演的選擇還蠻特別的。沒有氣勢磅礡的場景，淡化的史實，看起來沒有皇族的仁義道德，也沒有期待的八卦密辛。
像是看一個少女的側寫，隱含了很多訊息在華麗的服裝和包裝裡。
在電影結束時，旁邊的觀眾抱怨到電影的配樂真是太不古典了，使他無法順利進入電影的情境裡，但我恰巧就是格外喜歡它的配樂。
在電影一開場時我一度以為走錯觀影廳，華麗的搖滾樂在黑暗中爆炸開來。彷彿是為這部電影定調，好像在一開場就和觀眾坦白：「這不會和你想像的一樣。」
克莉絲汀鄧斯特，她的演出中我最欣賞的還是「夜訪吸血鬼」裡的表現。不過雖然在這部電影中她看起來和她所處的宮廷有種衝突感，但這種違和也許正好反映瑪麗在當時的法國宮廷裡面臨的處境。
整體來說，給我的感覺不如「愛情不用翻譯」那麼驚喜，也沒有那麼細膩深刻，在觀影時我不禁一直想像如果是法語發音會如何，但導演畢竟像瑪麗一樣擺脫了許多包袱，試著給觀者一個新的角度。

Friends With Money

2007-11-25T13:40:00.001+08:00

我想人到了一個年紀，就會無法停止回頭看過去。
那天晚上看了HBO的影片“Friends With Money“（台譯「我的好野女友」）
影片其實不很沈重，很多橋段就像生活的片段直接貼上來的，之前看過導演的訪談提到，她拍這部片想要討論「我們變成了當初想要成為的那個人了嗎？」這句話讓我很有感觸。
我們好像總是花了許多力氣在把我們的人生導向一個方向、一種結果、一種呈現方式、一種定位、一個可能。
是我們讓我們的人生成為目前的樣貌，還是這是天意如此？
如果到頭來是徒勞無功，人們為何還如此執著於花費畢生的精力來成就自己？在付出了無止盡的努力之後，總是無法盡如人意的人生，我們為何還願意持續不斷地再投資自己的人生？
導演沒有丟出絕對的立場，在簡單平實的生活對談裡，很多訊息都被釋出，不管是字面上的或是隱含的，像是包容著各種可能和各種差異，也開放各種解答，或者，無解答也可以。

色戒 Lust, Caution

2007-11-03T15:21:00.000+08:00

對李安的電影總是很難下筆。
當然是因為他目前的地位和聲望，還有他的電影的高關心度和能見度，會有無數的專人學者大作文章，仔細研究。
對於色戒，我想說的事只有一件。
每個人對角色都可以有不同的看法和詮釋，也可以抱持著自己主觀的意見。
王力宏飾演的鄺裕民，恰巧代表了一種不真實。
李安對每個細節的講究，讓王力宏還不如片廠裡街景上的那些法國梧桐。
就像臥虎藏龍裡的張震，而張震只是聲音上的問題，王力宏還包括了更多。
而其中的諷刺就在這裡，國家民族主義下的忠誠和愛國情操，在戰時其實是過度理想化又虛無飄渺的。
某種程度上來說，鄺裕民正是這種情操的代號。
而王力宏不佳的唸白和缺乏說服力的演出，更增加這個角色似乎只會呼喊口號的不切實際。對王佳芝來說，國家精神像是身處大海卻看不到岸邊，唯一連繫的細繩只看到自己手裡握著的這端，另一端沒有盡頭地消失在迷霧裡。這條沒有實體感的繫繩，正是王力宏表現出的鄺裕民。
這個有趣的效果，不知道是不是在導演的計算之內。

惡女花魁 Sakuran

2007-08-31T13:00:00.000+08:00

其實這部電影我最熟悉的是椎名林檎。
看整部電影的過程像是把所有她的聲音味道再感受一遍。

導演蜷川實花，好像常在日本的時尚雜誌看到這個名字，全片也的確有很強的色彩發揮，就好像一群遊女風花雪月的生活還不夠冶豔似的，所有衣服、圖騰、屏風、妝容都吸飽了色料，用100%的紅在螢幕上燃燒。
鏡頭呈現出一種停格的美感。像是一張張全彩的圖片說著故事，像雜誌上的服裝照，畫面是暫停了，但衣擺、Model的表情、手勢、眼神動線都還繼續說著某個情境，幾乎可以說導演的時尚背景主導了全片的調性，但也因此這部影片裡的部份人物有時顯得比較局部，不夠全面，演技也看起來像是大家自由發揮。
以整個架構來說，與原著漫畫的差異不大，故事的flow也很接近，把高尾和三雲這兩個角色合併，加入武士倉之助（椎名桔平），再把結局改成愛情喜劇結局。其實漫畫中的部份橋段和轉折有時就有倉促的感覺，不知道是否是翻譯的關係，但在遊女的眼神描繪和角色設定上補足了這個部份。所以很難偏重電影或原著漫畫，兩者各有優缺點。只能說不算是大幅度的改編。
演清葉的土屋安娜，因為我只看過她在松子裡不算吃重的演出，所以不熟悉她除了音樂以外的戲劇表現。剛開始看到她的混血面孔當然會覺得有些奇怪，全片充滿了東方五官和色彩，但某些角度和漫畫裡靈活的大眼睛嘴唇微翹的清葉還是有幾分相似，雖然有時土屋安娜的酒渦會讓她穿幫。
這部片會讓人先注意到飾演粧妃的菅野美穗。從日劇、電影已經看過很多菅野美穗，在惡女花魁裡，她把整部影片的情慾成功挑起。
她在片裡首先要為所有人示範「花魁」之所以成為花魁的原因，如果在開場她沒有把花魁的魅表現出來，整部片就撐不起來，觀眾也不會期待之後的清葉，眾多美麗的女演員也會只流於裝模作樣。
她算是清葉眼中的第一個樣版，觀眾也要靠這個角色進入吉原的遊女生活，在清葉夜半窺看她和男子交歡的場面，男人的左手抓住粧妃的胸，磨擦揉捏，另一手逗弄她的私處，透過鏡頭裡的這種偷窺和在電影院的光明正大，觀眾的情慾也被帶到高潮。她的呻吟也很性感，雖然她的背太瘦了些（其實片中的女演員的年紀比起原著都嫌年長了一些，土屋女娜的特寫鏡頭，皮膚也不如漫畫裡描述的吹彈可破。）粧妃嘲笑清葉的笑聲，質問和指責，不用嘶喊就有份量，細緻的五官綜合女傑般的豪氣，宿命的無奈但仍堅強面對的姿態。
飾演高尾的木村佳乃有很好的氣質，但像她其他的演出一樣，總給我一種不夠放開的感覺，她在片中是善妒的角色，必須小心護衛自己的地盤，壓制後起之秀。相較起來，漫畫的的三雲反而比較生動立體，安野夢洋子把她的眼神處理的很失焦，情緒也幾乎看不出起伏，是個內斂又摸不透的角色。
高尾和永瀨正敏飾演的浮世繪畫師的一場激烈床戲，這場幾乎互相懲罰折磨的場面，在經營上不夠到位而削弱了之後情殺的力道。那些飛濺在屏風上的血，鮮豔的色彩被更鮮豔的色彩覆蓋，如果床戲夠動魄驚心，這場愛情會夠絕望，死亡也會更淒美。
這部片果然是女人天下，相形之下男性的角色都成了配角。他們是始作俑者，看似主控了遊女的生命，床弟之間又反被宰制。

椎名林檎充滿在整部影片裡。在性愛場面、追逐橋段、妒意糾結裡都有，錯綜複綜的和服圖案和錯綜複雜的情感，搭配爵士、電子曲風，和電影的古典主題形成對比，有種東西合併綜合的趣味。音樂是華麗的百老匯，畫面也是，雖然許多曲目是舊歌重編，站在這部電影的角度上卻意外賦予新意。
雖然角色的處理還不夠成熟，雖然電影裡需要的寓意和暗示顯得太過刻意，但豐富的色彩、燈光處理形成的獨特視覺風格還是值得進戲院一看。

P.S.
．蜷川實花的個人官網首頁就是土屋安娜穿著現代的小洋裝，用咖啡色的捲髮和高跟鞋擺出清葉吸煙管的樣子，她身後仍是瑰麗的和服圖騰。蜷川也為土屋安娜、成宮寬貴（惣次郎）拍攝過其他攝影作品
．原著安野夢洋子的先生是日本知名的動畫導演—庵野秀明，代表作為「新世紀福音戰士」

口白人生 Stranger than Fiction

2007-08-23T16:00:00.002+08:00

不知從什麼時候開始，後設文本一一躍上螢光幕，忽然流行了起來。
在「服務生之死」之後，我看了「口白人生」。
導演—馬克福斯特(Marc Forster)，「擁抱豔陽天」、「尋找新樂園」我都看過，影片的風格比較難立即聯想在一起，是創作形式很豐富的導演。
而我從來沒看過威爾法洛(Will Ferrell)主演的電影。一部都沒有。他可能在我的選單之外，變成叫得出名字卻永遠不會點的菜。而且我必須不客氣地說，他實在長得不怎麼討喜。也因為他，讓我遲遲沒走進電影院看這部片，直到DVD的檔期才遇上。
可是我卻非常喜歡這部電影。
艾瑪湯普遜(Emma Thompson)真是太棒了。她的咬字和念白，語調和音頻，都很迷人。在她的聲音帶領之下進入這個故事，更是愉快的體驗。她的角色是這部片的演員，也是編劇，她一念之間的決定就能改變他們的人生，和觀眾收到的結局。艾瑪本身的特質賦予了這位被她自己創作的故事折磨著的作家，自然地在螢幕上活起來，抽著菸淋著雨苦惱著。我覺得她給這個角色一種很恰當的灰色，很有深度的、很耐看的，會隨日光照射的角度變成銀灰、深灰或盡乎牆面的白色。既溫柔，也殘忍。
演安娜的瑪姬賈倫荷(Maggie Gyllenhaal)。在我看過"Secretary"（怪ㄎㄚ情緣）之後就迷上了她。導演因為覺得她對生命有種熱情而認為她非常適合片中的角色。我喜歡她給我的自由感覺。好像什麼都攔不住，她可以為理想燃燒，也可以瘋狂，在HBO的自製電影"Strip Search"，片中的演出也很有份量。在「巴黎我愛你」可以再看到她。
當然還有達斯汀霍夫曼(Dustin Hoffman)。他在影片解說時表示，口白人生裡他的演出時間比"Finding neverland"多了十幾分鐘，所以他有信心導演的下一部片給他的戲份會越來越多。還提到Harold Crick這個角色是任何演員在演藝生涯裡都會期待和渴望的，而他很生氣導演竟然沒給他這個機會。
馬克福斯特認為男主角應該是一位看起來和一般人沒兩樣的人，相貌平凡而生活無趣。也就是在小說故事裡面，會理所當然被忽略而翻頁過去的人物。威爾法洛的確有十分動人的演出，把平凡裡帶點無奈卻不悲情，還有些喜感的憂鬱表現的很自然。
整部影片裡的視覺符號也很傑出，為表現Harold的規律和嚴謹加分許多。他數著斑馬線的格數、樓梯的階數、任何事物都被他量化了，什麼都可以計算得出來（果然是非常敬業的查稅員）。
影片的節奏控制，觀眾其實沒看多久就猜到會在主角身上發生什麼事，甚至進戲院前就知道了，可是透過Casting讓每位參與的演員把flow帶得很順，配角很盡責的"support"（像是飾演Harold心理醫生的Linda Hunt，片中有著像衣夫人一樣讓人過目不忘的髮型和面容），使得整部影片溫柔、幽默、諷刺又完整。它不是那種一開演就像有人往你心裡丟大石頭的那種震撼感強烈的影片，但它的確特別又有份量，像在商店裡，你還不確定要不要買它，但握在手裡就不願意放下。
達斯汀霍夫曼和艾瑪湯普遜幾乎可以說他們的電影是從小看到大，但不知為什麼總不會膩。
皇后拉蒂法(Queen Latifah)我並不熟悉，但接觸到的她都是飾演很有自信的人物，可能因為不熟悉，角色之間的個性又太類似，而有種和她以前的演出脫離不開的感覺。
口白人生以一種親切的態度，講述一件很超現實的故事，簡單，但戲劇感卻很豐富。

P.S.
．電影裡艾瑪湯普遜住的夢幻公寓讓人嚮往，陳設也會讓人更加了解這個作家的品味和想法
．在英文裡主角是"Leading role"，配角是"supporting role"，除了戲份多寡，還包含了責任和身份，和中文的主副觀念對照起來格外有趣

巴黎我愛你 Paris, je t'aime

2007-08-15T14:08:00.000+08:00

很久沒看電影了。
和朋友借了「巴黎我愛你」的DVD，才覺得有點太晚認識它。
雖然這種什錦總匯的影展片，是影展裡一定會出現的菜色，但還是不減它的風味。
每部影片雖短，但卻說了一個好故事。（廣告也該如此吧）
下面只列舉一些我喜歡的單元和對白。

．布魯諾波達利斯(Bruno podalydes)／＜蒙馬特＞
找車位的男主角，意外發現一位昏倒在他車旁的女性。
「我的世界就像雜物箱，啥都沒有」

．伊莎貝拉庫謝(Isabel Coixe)／＜巴士底區＞
外遇的丈夫準備和總是穿紅外套的妻子離婚。
「他打算在主菜與甜點間抛棄她」、「一開始是佯裝成熱戀中的男人，卻真的變成熱戀中的男人」、「她死在他的懷中，他的感情從此昏迷，不再醒來」
（我很喜歡這支短片整體的氛圍和態度。配樂和第三方旁觀者的口述，讓影片雖短但充滿了諷刺的幽默，像是嘲笑著這個男人生命的荒謬卻浪漫而感性。）

．艾方索柯朗(Alfonso Cuaron)／＜馬叟公園＞
父女倆邊走邊談，簡單的行為裡卻有豐富情感。
「難得來巴黎，就不能說法文嗎？」

．佛得烈歐布登(Frederic Auburtin)、傑哈德巴狄厄(Gerard Deparkieu)／＜拉丁區＞
準備離婚的銀髮夫妻，各有對象但情感仍意韻綿長。
「你會不會覺得我很荒謬？」「不會，是別人太嚴肅」

．亞歷山大潘恩(Alexander Payne)／＜14區＞
美國女遊客的一人遊巴黎
「他們告訴我了好多巴黎的事，告訴我藝術家在哪找到靈感的，大家都去哪裡找尋生命中的新事物，還告訴我到哪裡可以找到真愛」、「獨自一個人坐在陌生的國家，遠離我熟悉的人們與工作，我突然有了一種感覺：就像記起某件我從來不知道的事，或某件我總在等待，卻又說不上來是什麼的東西，可能是件我已經忘記的東西，或是我人生中已錯失的事物，不過我同時感受到了，喜悅與哀愁，也不是那麼哀愁，因為我感受到自己的生命力，對...活著的感覺，就是從那時起我愛上了巴黎，也覺得巴黎愛上了我」

一共有18個故事，每個地區發生的故事是否和當地的歷史或文化背景有關呢？只怪我實在不夠了解巴黎。
其他也有許多精彩的作品，讓我們注意到自己對巴黎的刻板印象：
華特沙勒斯(Walter Salles)的16區，照顧嬰兒的年輕女孩，必須放下自己的孩子去做保姆，哼唱著歌曲來安撫寶寶，同一首歌，兩個孩子，兩個世界，隨著她上班的路線發現與女孩相同較深膚色的人們在巴黎的生活。
葛斯范桑(Gus Van Sant)的瑪黑區，在畫作印製裝裱的地方，有可能遇到soulmate？言語不通的情況，男孩追出門口，即使方向錯誤相反，仍充滿無限想像與詩意。
奧利佛舒密茲(Oliver Schmitz)的節日廣場，急救的女孩為重傷的黑人端來的兩杯黑咖啡，就像顫抖的手裡接不住的眼淚。而在旁人的眼光中，那眼淚也有顏色。

除了杜可風的破題方式和伊萊亞伍德的佛羅多演出，我比較不欣賞之外，其他都可算是不錯的短篇故事，像演出紅外套妻子的米蘭達李查遜，眾演員們的表現都十分傑出。而觀影後將導演的舊作和這部電影兩相對照，也是觀看這部片的樂趣之一。

醜聞筆記 Notes on a Scandal

2007-03-09T17:57:00.000+08:00

兩個很強的力量，相互拉扯。
力量的來源，是兩個女人。
感情的佔有是非常自私而強烈的，
不管是男男、男女還是女女。

人對佔有的慾望不分愛情、親情、友情，
芭芭拉長久的寂寞化成強大渴望伴侶的動力，
但我認為她並不接受自己對女性的慾望，
她對別人冷眼旁觀的殘酷標準同樣也套在她自己身上，
她覺得她需要的只是友誼，一個貼心的好朋友，一個美好的知己。

我認為因為她無法直視自己的想要，
所以漸漸成為任何友誼關係裡扭曲的的角色。
越多次的挫敗造成惡性循環，
越害怕失去，越不放手就更加讓情況惡化。

女性的親密友誼是非常迷人的，
貼心、優雅、細緻、如影隨形，和愛情不同，
女孩子可以聯絡一輩子，分享各種糗事和祕密，彼此欣賞打氣又相互保護。
所以學校裡大家認為的怪人芭芭拉，等到了希芭的出現。
希芭漂亮、有氣質，如出水芙蓉，個性善良親切又體貼，
芭芭拉從冷靜觀察到及時出手相救，一把一把拉進她和希芭之間距離的繩子。

飾芭芭拉的茱蒂丹契，表現出令人震懾的力道。
她對希芭表示友好和體諒時，還是讓觀眾焦慮不安，
在她展現出真實面貌時，我們併隨著前面這份擔憂而形成龐大的爆發力，
驚悚、駭人，她臉上的皺紋完全化作惡魔的線條，
讓希芭陷入惡夢般的地獄。

凱特布蘭琪的希芭。她是這個糾纏的成因，她如天使降臨般的美好。
其實在電影裡我們多半是透過芭芭拉的口白和描述在看著希芭，兩人對談時希芭心裡的聲音我們聽不到，但我們仍透過另一雙眼睛驚訝地看著她。
凱特特別的氣質構成了美麗又脆弱的希芭，她站、她坐、苦惱擔憂、偷情的罪惡感折磨，都讓人迷眩；
往往呈現女性堅毅形象的凱特，表現了我們較不熟悉的另一面。
和芭芭拉相比，她是弱的一方，但凱特仍然給了希芭很大的生命力，在螢光幕上和芭芭拉抗衡。

我認為每個人都可能成為芭芭拉。她是我們原生慾望的黑暗版本。導演似乎特別強化了芭芭拉的邪惡和驚悚，也許看過的人會因此恐懼同志，但我寧願樂觀的想，有更多男女的情愛驚悚片，會誤解的人，就繼續誤解吧！

＊導演：李察艾爾（Richard Eyre）—曾執導《長路將盡》(Iris)
＊製片：史考特魯汀（Scott Rudin）與勞勃福克斯（Robert Fox）—《時時刻刻》（The Hours）
＊改編劇本：派翠克馬伯（Patrick Marber）—偷情（Closer）

縱慾 The Free Will

2007-03-08T17:28:00.000+08:00

如果電影可以呈現出生命裡百分之五十的真實，恐怕光是這個份量就讓觀眾難以承受。
我想這部電影是誠實的。所以哀傷。

一個無法控制自己性衝動的強暴犯，可以被原諒嗎？
影片一開始就是整個強暴的過程。
沒有配樂，沒有明星，沒有戲劇性的運鏡，沒有特別的燈光，
在大白天公路旁的雜草堆上發生。

然後隨著看到的故事，從緊繃到壓抑。
假釋後的生活、算不上生活的生活、手淫、運動消耗體力、發呆、然後再消耗體力。
然後是夜裡和女子獨處的地鐵站，
他會做....還是不會？
沈默平凡卻驚悚無比。

成為普通人就是救贖嗎？
是自由意志造成我們犯罪，還是規範了我們的行為？

男主角約根沃格爾( Jurgen Vogel )當然很棒，但我另外欣賞女主角莎賓蒂莫提歐( Sabine Timoteo )。
她愛上一個男人，但他有強暴前科。
她試著用她的方式，幫那個男人尋找救贖的原諒，
本來是加害者的強暴犯，第一次被跟踨。

看到結束其實是很令人難受的，
結果的悲傷讓人久久走不出來。
同情，也許無法像善惡那麼絕對，
它和所有的人性共生，同樣複雜。

＊導演：馬提亞甘斯勒( Matthias Glasner )
＊製片、編劇：約根沃格爾( Jurgen Vogel )

謊顏 Time

2006-12-11T16:13:00.000+08:00

因為太專注在其他片單，讓我幾乎忘了金基德。

題材很生活，但處理得抽離。
愛情裡，什麼是真實呢？兩人的愛是真實的嗎？眼前的對方是真實的嗎？
接吻、擁抱、作愛，我們擁有愛人多少程度的真心？
有多少比例的真實要表露？又有多少應該隱暪？

如果無法以容貌作為辨識愛人的根據，我們還有什麼線索可以依循？
眼前這個長得和情人不一樣的人，感覺卻這麼相似，
是同一個人嗎？同一個靈魂？
還是我們原本尋找的對象就只是同一種理想類型的投射？
無故消失又整容的舊情人，會是眼前這個人嗎？
如果現在的愛人以一種新的型態出現，像重新包裝上架的商品，我們再度墜入情網，
對雙方來說，愛得仍然是當初相同的人嗎？
那麼愛情其實只是建立在善變的外表上？

韓國的整型風潮時有耳聞，整容這個話題永遠有爭議，
它和美麗、真實、虛榮、道德切身相關，
但金基德把它挪移到延伸的象限邊緣進行另一場討論。
變得好看是不是就可以得到幸福，這個議題往往在台灣的電視節目會搞成低程度綜藝，整型是手段，得到幸福的人生也許是目的，但唯一可以確定得到的只有無法改回去的樣貌。
人類脆弱，愛情脆弱，長相不會自出生跟著一輩子，當五官可以任意更動，再沒有什麼是堅定不移的，也許愛情也是。

電影裡男女主角曾經約會的地點，有著石雕和藝術裝置作品，
即使隨著漲退潮被浸在海裡，它們也不會改變。
所以也許是同一對戀人在上面拍照，即使長相已經改變，也許愛情可以從外貌超脫，掙脫時間和人性的限制。

整體來說，還是有金基德一貫的細膩、哲理還有寓意，也仍然有許多我意想不到的安排，看他的電影我總是猜不到結局。
電影結束時我座位附近的男孩子互相討論著，覺得《空屋情人》才是經典，好像也有人覺得這部片很多笑點（why?），對白又太多，不如以往他的沈默觀察。
我覺得對白多寡只是一種形式和表象，一個故事如果說得好，是說書加上擬聲或是默劇應該都很精彩。
整部電影我反而覺得很悲傷，結束時心裡塞滿了無奈，一切的失常只是因為執著和愛，當執著不被理解，就成為瘋狂。

希望有機會在院線再看一次。

服務生之死 Ober(Waiter)

2006-11-30T19:33:00.000+08:00

有人說當作家筆下的角色誕生時，就有了其自主的意識。
所以許多作者到最後無法控制自己創造的人物，只能任故事朝向「不得不如此」的方向延伸。
《服務生之死》這部影片和上述就有點關係。
滿足了其中一個角色的希望，又不能讓全部人滿意，
就算大部份的人都高興了，可能作者自己卻不同意。
在形式上大膽創新，質疑了電影的提供角色和觀眾的接收角色之間的關係，在劇情上反問角色和作者之間的控制定律。

影子保鏢 The Minder

2006-11-30T19:07:00.000+08:00

我們就跟在主角旁邊。
看著他從梳洗準備出門，到深夜休息，中間的時間就是等待和跟隨。
男主角跟著政要，我們跟著他。
這麼枯橾無聊的生活，可是影片一點都不無聊。
表現出來的冷靜制約，情緒在這種過份壓抑下，反而顯得波濤洶湧。

男主角有速寫的嗜好，但這種結合眼和手的高度自我意識的行為，
只能祕密地進行。平常，他不用有自己的個性，他是保鏢。
素描也是他的生活寫照，他看著別人，但對方幾乎不會注意到他。

沒有光環，沒有和委託人的曖昧，
沒有自由。
如果影子要獨自行動，就必須脫離主體。
或者主體死亡。

全片直到結束上字幕才出現配樂，影片的安靜沈默就像聾了一樣，
心裡的吶喊以最大分貝爆發，然後震耳欲聾，從此又再聽不見。

超完美地獄 The Bothersome Man

2006-11-30T18:12:00.000+08:00

這部影片的英文片名是：The Bothersome Man
我想，對於男主角身處的環境來說，他的確是不受歡迎。
冷感的色調形成全片獨特的風格，
影片裡的世界即真實又虛幻。
像我們平日生活一般真實，但抽掉熱情、吵噪、傷心、髒亂......這些突發性的情緒和元素，
一切都冷靜、理性、規律、乾淨。

我們跟著男主角莫名地就到了這個地方，
裡面有輕鬆的工作、漂亮的女伴、可以恣意作愛、儘量申請添購辦公室設備和傢俱，
劈腿沒關係，甚至也不會死。
只是吃不出食物的味道，也無法定義這到底是什麼地方；
一切都在掌控之中，但不是由你控制，你只能接受安排。

到最後也許不完美的才是真實，有期限的生命才有溫度。
全片並沒有固定的問與答，觀眾從開始就抱著疑問，但故事繼續進行，你好像得到了答案又好像只是自己的猜測。但現實生活本來就沒有絕對的答案。

讓人發笑，又感覺恐怖，風格奇異的一部電影。

戀愛魔鏡 Mr. Average

2006-11-30T17:36:00.000+08:00

因為我是幹廣告的，所以看這部片會心虛。
我們平時總是試著置入、操作，而且希望一切都不落痕跡。
我們的工作，某種程度來說就是影片裡討厭的市調公司那些笨蛋們。
當然也許也包含政客。

我想，應該是自以為聰明的人才覺得可以操縱大眾，
但聰明總反被聰明誤。
影片在原來我們會預期的走向上面大膽改變結果，
雖然Happy Ending顯得刻意，但在操作和反操作的處理上仍有新意。
行銷到最後，可能只是操弄了我們自己。

本片尚未分級 This Film is Not Yet Rated

2006-11-30T16:28:00.000+08:00

我從前沒有想過，做愛鏡頭裡抽送的次數真的會有人去計算，
而且還會因此影響一部影片的分級下場。
對於隱藏在事物表面背後的真相感興趣的人，
看這部片也可以被娛樂得十分開心。
導演柯比狄克以紀錄的方式，訪談了其他許多位導演，
我們一邊看著眾導演們轉述他們的電影的分級原因
和被要求刪剪的鏡頭，
同時這個過程也組合出這部影片，這部也將躲不過分級命運的電影。

MPAA(Motion Picture Association of America)
是美國掌管電影分級的單位，
我們能看到多少美妙或刺激的性愛和暴力鏡頭，
生殺大權就看這些大叔大嬸們。
因為許多導演們被迫更動自己的創作，
但卻無從得知到底是哪些人決定了他們作品的社會接受程度，
所以柯比狄克幫了大家的忙，一一找出神祕的委員會成員的個人真實資料。

NC17，超越限制級(R)的等級，在美國當你的電影被分到NC17，
片商就不敢發行你的影片，雖然MPAA表示這對於票房沒有影響，
但少了片商的宣傳和援助，
你的電影也只能靜靜地消失在忙著推陳出新的片海中。
那麼到底是誰訂的標準？如何衡量？
暴力可以但性愛不行？異性可以但同性不行？
血漿和體液哪種比較兒童不宜？陰莖和槍管哪個比較負面？

電影分級不止保護了觀眾，也約束了觀影自由，
在歡笑和嘲諷裡看見美國電影工業的內幕，
也讓人聯想到美國官方現正被全球抨擊指責的軍事政策。

2006金馬影展

2006-11-27T17:56:00.000+08:00

今年的金馬影展改在新光影城，
本來我有些開心，
之前在華納威秀等入場時總在狹小的走廊上被人群擠爆，
但領教了永遠都大排長龍、只有三間的新光女廁後，
我可能從前太武斷了些。
但影展仍為周邊商家帶來小小收益，
星巴克就被養得更顯肥壯。
晚上的獅子林大樓一下影城四樓，其他樓層近乎恐佈，
手機櫃位打烊後，更是淒涼。
這裡是被人遺忘的空間，旁邊是旗袍禮服店和電玩機台，
和這裡顯得衝突的，是直上四樓影城的時尚年輕人們。
新光影城的影廳入口又在兩側，
許多姍姍來遲的觀眾找不到座位，
（即然不在乎遲到了影片看不完整，
又何必進來打擾想認真欣賞的人呢）
精彩的電影結束後只有零星的幾個人鼓掌；
我想在觀影的觀眾體質還無法速成改變的情況下，
只能期待主辦單位再找更理想的場地了，
不然空有金馬觀摩影展的美名，就太對不起那些參展影片了。

註：上網看了一下部份的人看今年金馬影展的觀後感。
訝異於有些人對某幾部電影的批評程度。
讓我心虛地檢討自己是否也過度驕傲地看待電影，用「做作」、「失敗」、「矯情」、「都比它好上好幾倍......」這些獨斷的詞彙，兩句話就把影片判了死刑。
我想依照這些局部的人們對待電影的態度，影展嚴重的遲到情形，應該也是可以理解的吧。

情路長短調 A Short Film About Love

2006-11-03T17:07:00.000+08:00

最近再看了《情路長短調》。
距離上一次租片來看，已經快兩年了。
即使知道劇情，還是感動莫名。
也許時間帶來了一些改變，也許奇士勞斯基的電影，就是適合一輩子慢慢體會的吧！

一切都從傾慕開始。
當瑪格達拿著假的通知單到郵局領錢，
多米克透過服務台偷望她，
這就是他們兩個關係的縮影，
雖然眼前這位迷人的女性和自己距離那麼近，只隔著一層玻璃，
但玻璃上對話用的圓洞才是他們溝通唯一的管道，
就像那只多米克用來偷窺瑪格達的望遠鏡。

她在房間吃麵包時他也吃，
甚至打電話給對面的她，
試著感受她所有的感受；
瑪格達用手指在桌上打翻的牛奶裡游移，
多米克割傷手指，吸著剛流出的血，
他品嚐的，是她的悲傷。

在舞台上表演者是不會背對觀眾的，
但如果是偷窺呢？
偷窺所見到的，是否都是真實的呢？
瑪格達背對者窗坐下哭泣，那是真實的悲傷，
是無法收拾的情緒。

這個故事原來是《十誡》其中一章，
奇士勞斯基為波蘭電視台製作的電視影集，
後來延伸為這部短片，
而翻譯的英文片名也很簡單優美（A Short Film About Love）。
這麼簡單的故事裡，
卻有文字轉譯不出的深刻含意。
像詩一樣，以少量的文字結構出龐大的意象，
在內斂中揮發了最大的情感。

十一

2006-11-03T13:10:00.000+08:00

時間被影展塞滿，擁抱電影的催眠吧！
直到年底。

誘惑醫生100招 Seducing Doctor Lewis

2006-07-04T11:59:00.000+08:00

曾是廣告導演出身的尚馮斯瓦布里歐執導了這部題材小品，但風格迷人的影片。
觀影的過程非常愉快，全場笑聲不斷。
小島上需要工作機會，捕魚早從八年前就已無法維生，
只能靠政府的救濟金過活，
當地人民爭取工廠進駐設廠，
但條件是要有駐地醫生。
所以形成了這部可愛故事的影片，
鎮民有盡所有可能的方法留住來島上的醫生，
讓醫生撿到錢、舉辦所有人不懂規則的板球賽、讓醫生釣到冷凍魚獲.....
千奇百怪，驚喜不斷，笑果十足。

但其實在笑聲的包裝下是個心酸的原因，
導演用喜感的手法其實說的是離島被邊緣化的無奈，
不搬去城市就沒有工作機會，
留在生長的島上領救濟金，卻沒有尊嚴。
新鎮長Germain說得好：「救濟金不到半個月就用完了，屈辱卻整整一個月都趕不走；」
各種誇張的欺騙醫生的行徑都有背後的苦衷，
也為這部影片增加了深度和人味。

曾獲得坎城銀獅獎的導演Jean-Francois Pouliot，在這部影片裡流暢地表現了說故事的功力，
拿到如同廣告界奧斯卡的坎城大獎，更是讓人覺得實至名歸。

影片資訊：
誘惑醫生100招 Seducing Doctor Lewis
導演：尚馮斯瓦布里歐 Jean-Francois Pouliot
國別：加拿大年份：2003 片長：108min 規格：35mm
得獎紀錄：坎城影展日舞影展觀眾票選獎蒙特婁喜劇影展觀眾票選獎

愛瘋狂C.R.A.Z.Y.

2006-07-03T12:41:00.000+08:00

我想電影就是一種帶領觀眾，
去看導演心裡的某個想法或觀點陳述的方式。
所以近來性別議題的電影漸漸以比較輕鬆幽默的態度呈現，
也許未嘗不是壞事，比較容易入口，好嚼好消化。

「愛瘋狂」就是這樣，它是今年台北電影節的開幕片，
故事背景在魁北克，所以全片都是法文發音。
把它歸類在同志議題電影，其實還比較像家庭關係的探討，
父親和家裡五個兒子的互動，每個人都會有衝突磨擦，
只是男主角查克的問題來自性傾向。

查克出生在虔誠的天主教家庭，父親更是異性戀的忠實信徒，
這雙重信仰就是查克的成長背景。
和耶穌同一天生日，被通靈者讚美擁有與常人不一樣的天賦，
諷刺的就是查克的確和周圍的人不太一樣，
就是不能公開的性傾向。

父親為了讓查克走往「正常」男人之路，鼓勵他與女性友人發生關係，
看起來父親的標準是只要兒子是異性戀就好，
但哥哥雷蒙靡爛的生活也是家裡的另一顆炸彈。

雷蒙和查克就像實驗組和對照組，
異性戀不等於乖巧，同性戀也不代表叛逆。

貫穿全片的歌曲“CRAZY"，是父親最喜歡聽的歌，
它是父親心裡美好世界的縮影，
即使不聽歌，其實他還是沈浸在自己試圖建立的美麗國度裡，
無法接受現實。
這張唱片不是破碎就是找不到，
正好隱喻了父親得不到的美夢和對兒子的無力，
因為真實世界查克的確是gay，雷蒙則吸毒過量致死。

家庭全是絕對異性戀的男性兄長，母親成為查克非常重要的支柱，
雖然她是家裡唯一的女性角色，但卻十分有份量，
不管演員的詮釋或導演的鋪陳，
都可以看出這位媽媽難能可貴實事求是地看待同性行為的開闊胸襟。

本片的音樂也很稱職地演出。
查克房間牆上貼的是曾經承認自己是雙性戀的大衛鮑伊，
還有鄉村歌后佩西克萊的"CRAZY"、平克佛洛伊德.....
因為即將上院線，所以電影原聲帶應該不難買到。

這部片很受大家觀迎，也在加拿大橫掃了許多獎項，
網路上可以很容易地查出相關資料。
導演很細心地把男孩子的名字開頭的單字組成C.R.A.Z.Y.，
而瘋狂也成為貫穿全片的重要情感表現。

官網：http://www.swtwn.com/filmsdetail/2006/Crazy.htm
台北市中華路的佳佳唱片行也配合台北電影節有相關產品的展售，包括原聲帶。

安隆風暴 Enron: The Smartest Guys in the Room

2006-06-25T17:58:00.000+08:00

在現在台灣這個敏感的時刻，看這部紀錄片真是有趣。
聰明又有權的人怎麼玩錢，真是難以想像。
包括2006奧斯卡最佳紀錄片提名...等多項影展入圍和獲獎，如果你像我一樣對數字和金融市場沒概念，
再看一次，一定會全盤了解。
錢會把人變成什麼樣，因為是真實事件，所以更是血腥的現實。
就像訪談裡的人說的：「大家都坐上發財花車，而且以後還會再發生。」
現在在我們社會，不就正在上演嗎？

Cars

2006-06-25T17:12:00.000+08:00

我原本擔心迪士尼買下皮克斯之後，會把迪士尼世界裡的傳統家庭觀和包袱傳染開來，
看來我是想太多了。
Cars仍然是部娛樂價值很高的影片。
我本來對於主角是幾台跑來跑去的卡通車提不起興趣，證明我的確是不識貨。
強調細節的皮克斯，再一次做到了。
大都會和小鎮的對比，皮克斯就是那小鎮，透過輕鬆詼諧的劇情和故事表現，重新定義主流所謂的成功價值，影片裡好像也看到皮克斯對自己的詮釋。
不過Cars的態度比起前幾部皮克斯的作品的確比較嚴肅，主角內心裡的堅持和情感轉折稍嫌淺了些，對戲的女主角表現也比較平板和可以預期，但因為仍有豐富的配角活潑的穿插，故事還是很緊湊，過程娛樂的爆點也夠多，所以給人留下的印象仍是精彩的。
裡面角色的設定也有考究，Porsche、Ferrari、福斯T1...哪款車配什麼個性，出廠年紀，都作足了功課。
當初在市場上規模小又不被看好的皮克斯，地點正位在舊金山人口僅六千餘人的Emeryville小鎮，到現在攡抱迪士尼，Cars在這個時間點上推出也許是巧合，但也許也間接說明皮克斯害怕消失的小鎮精神。

坂本龍馬，他的太太和她的情人 RYOMA

2006-06-13T18:14:00.000+08:00

三年前的台北電影節（城市影展：京都／墨爾本），它是開幕片。
因為我是個假日才能參與影展盛宴的人，當時只能二選一選了「九一一事件簿」，日前卻在出租店內發現它。

一個已逝的英雄，他的太太和愛慕她的人，一女四男，用可笑的態度把荒謬的現實發酵得淋漓盡致。
嚴格說來應該是一女三男，影片開始時龍馬已經遭到刺殺而身亡多年，我們只能從遺孀Oryo阿涼（鈴木京香飾）夢境裡矇矓的回憶模糊地看見龍馬的形象。
因為人們心中對他的緬懷，雖然龍馬在全片裡沒有實體出現，卻是貫穿全片的幽魂，是貞節的碑、是禮義道德的大帽子。
為了報復而改嫁的阿涼看來荒淫，其實是唯一真正心裡悼念著龍馬的人，窩囊廢的老公松兵衛雖可憐但也可惡；神似龍馬的男人虎蔵謊稱不識龍馬，其實另有盤算；阿涼的妹夫覺兵衛，看似最恪守禮教，其實暗戀阿涼已久......荒唐的對白，滑稽的動作，觀眾一邊笑著看的，其實是阿涼悲涼的處境。
她握有這些男人對她的傾慕，雖然在生物界由雌性來決定傳宗接代的對象很正常，但在自然界裡最不自然的生物﹣人類身上，往往是男性的權力。但擁有像男性般的性支配權，阿涼實質上卻很空虛。沒有一個男人比得上龍馬，尤其還深愛著他更是一個詛咒。所以影片諷刺地製造了一種期待：觀眾等待著另一個出現的男人可以拯救阿涼，可以代替龍馬帶給她幸福。
市川準用非常娛樂的手法講述了大英雄龍馬身後發生的種種，主題像繞著阿涼，但看看電影片名，龍馬是這個故事成立的原因，任何人和龍馬相比都是配角，之於別人，之於阿涼自己，都是如此。問題本來就不在於阿涼選擇哪個男人才是比較好的決定，影片片名是位男性英雄，但又諷刺了男性英雄主義。

市川準另有執導「村上村樹の東尼瀧谷」（トニー滝谷），而關於坂本龍馬的資料在網路上也可查到。

竜馬の妻とその夫と愛人
監督：市川準イチカワジュン
製作：富山省吾

演員表：
木梨憲武キナシノリタケ（西村松兵衛）
中井貴一ナカイキイチ（菅野覚兵衛）
鈴木京香スズキキョウカ（おりょう）
江口洋介エグチヨウスケ（虎蔵）
橋爪功ハシヅメイサオ（勝海舟）

偶然與你相遇 Me And You And Everyone We Know

2006-06-12T17:30:00.000+08:00

這部片我是在光點看的，那場觀影的人數還不少。許多大學生和情侶。
可能也是因為它親切的敍事風格，所以還一度上了華納威秀的院線。

“Me And You And Everyone We Know“
故事裡的十一個人，每個都像主角，其他的就真的是臨演。
我也很喜歡它的電影海報，就這十一個人，又完整又各自獨立。

克莉絲汀，她的創作很有趣。像在重現照片裡當時的環境，但在還原的過程裡，又是再製了一個時空。
我也很喜歡美展策展人的橋段。她在片子裡是個成熟的角色設定，大家都帶有一些想像的奇幻色彩，她就必須像個無趣的大人般糾正評斷所有其他人。但發生在她身上的事因為對比更強大而更加有趣。

就像展覧最後的主題是數位文化))<>((，這個符號的出處和本片的精神正好一致。不一定每件事都要有宏偉的意義和責任，看起來最無意義的事件卻成就了重要的事實。很輕鬆卻非常不一樣的思考出發點，在強調目的和用處的台灣人眼裡看來，更是特別。

鍋蓋頭 Jarhead

2006-06-12T16:34:00.000+08:00

在山姆曼德斯的隨片講評裡提到，他儘量試著不要使用同樣的手法在每部電影裡，
所以雖然我因為美國心玫瑰情而選擇看鍋蓋頭，
但我必須試著切割來看他們。

當然看DVD對它是不太公平，
也可能我自己預設了反美立場。
講述一件時間還不夠久到已成為歷史的事件，
提及的人物也還在執政，具有高度爭議性且難以評斷；
就算是陳年舊事也會隨著不同年代而有不同的解讀，
所以我非常感趣Sam Mendes會用什麼⻆度來看。

荒謬的事情用正經嚴肅的態度去執行，是絕對的荒謬；
1990年第一次的波灣戰爭，出兵伊拉克，部隊是派出去了，理由卻還不夠充分，
大兵們子彈是上了膛，但遲遲等不到命令出擊；
滿腔的熱血只能屯積，
最後對空掃射，耗盡所有派不上用場的子彈，
就像服役期間只能不停地手淫，沒機會真槍實彈，精液徒勞無功。

我錯過了Jarhead上院線的時間，
雖然看DVD感覺實在差了許多，但隨著導演的觀點再看一次影片，
也是另一種體驗。

斷臂山 Brokeback Mountain

2006-01-26T07:08:00.000+08:00

感覺像看到一塊巨石。
像你登山走過彎道忽然出現在眼前，
它存在在那，和自然一體，擁有它的祕密，
你只能驚嘆又敬畏地注視，
而且找不出形容詞詳述心裡的震憾。

電影開演後，我懷疑地想：這是李安的電影嗎？
但接下來就問自己：什麼樣才叫做李安的電影？

我好像失去他電影裡一貫的節奏感和時間感，
一切都沈澱下來。

對我來說，這是個愛的故事。
而且在我人生裡，「愛」這個字眼出現的機率實在是微乎其微。
撇開對同志性向的討論，這是愛，深刻的愛。

同性愛的電影常常研究的是角色的社會適應和社會角色扮演，
或是大篇幅表現外界的批評和攻擊。
雖然環境是在英雄主義的牛仔故鄉，但斷臂山裡比較多的是透過他們自己的眼睛，怎麼看待自己。

帶著對自己的懷疑，展開了所謂的「正常」生活。
但「正常」不代表「正確」，正確也無法保證擁有幸福。
艾瑪其實就代表了其他所有的人。
艾瑪眼中的他們，就是那個時代，甚至是現代還有的看法，變態和齷齪。

不管是斷臂山上或是人生，
男主角兩人註定無法永遠在一起，
牧羊人的職責就預言了兩人的相聚必定會失去一些東西作為代價補償。

這的確是個悲傷的故事，
微小但真實。
也許過度浪漫了男同志的愛情現況，
但說不定也是個開始，試著用你自己的感覺去界定你看到的事物。
可能你就不會把斷臂山只簡化成﹣「同志電影。」

衝擊效應 Crush

2005-10-13T04:16:00.000+08:00

如果還來得及的話，看看衝擊效應。
地點在洛杉磯Los Angeles，天使殞落。
我朋友Moh曾說過：「膚淺的認知，就是一種誤解。」
影片在警官對鏡頭談話中展開，像看一件真實事件的報導。
種族問題必然存在，因為膚色差異誰都看得見。
被歧視與再歧視，沒有絕對的壞人，每個人都有罪，每個人都無辜。
人與人之間的距離、身份的標籤、迫害和反擊，
各自獨立又相互交錯。

大逃殺I Battle Royale

2005-09-15T14:30:00.000+08:00

我對BR的了解其實不深。只是聊聊感想，無關批評。

起因是前幾年的台北電影節，參展日片《青い春》（藍色青春 Blue Spring）讓我印象深刻，
而一直被策展人和影展手冊提及比較的另一部電影，就是Battle Royale。
當時片名叫《生存遊戲》，我複誦著導演深作欣二的名字，試著在腦海留下記憶，以便日後查詢。

前些日子，在書店看到新書「大逃殺」，沒發現就是當年的生存遊戲，
直到在破報上不小心看到文章，差點擦身而過。

漫畫、原著我還沒拜見，先看了電影。
不知該怎麼形容，把這麼驚悚的事用這麼娛樂的方式演出。
片頭字體和呈現法一付電動關卡就要開始的樣子，
但明明是沈重的主題。
把駭人聽聞的事實用綜藝的方式描述，讓人不寒而慄。
影片前段的遊戲規則說明的演出就是一例。

裡面有多重的價值顛覆。
北野武飾演的老師從成人的無奈，轉為報復玩弄年輕的生命，
甚至抗議自己人生而拒絕回到原來的現實，
和他對死亡稀鬆平常的態度相較，
學生們的恐懼和竭盡所能的求生就更顯得諷刺。
規則的改變，將原來生活模式極端相反的兩邊重置，
老師輕浮起來，學生卻像大人般憂心忡忡，煩惱著活不活得過明天。

角色被困在導演架構的世界裡，
像伊藤潤二漫畫裡一樣，被隔絕而無助，
彷彿回到現實世界就是救贖。

但同學們希望回到的正常世界是拯救，也是死亡，
畢業後的學生進入社會，
就必須接受成人的遊戲規則，
為了生存而彼此廝殺，
不管唸書時如何揮灑的同窗情誼。
即使沒有犯錯，
結局也會找上你，棄權或打破規則的下場都一樣。
站在存活的角度上，
人的情感會變得如何脆弱？
而迎接年輕人的社會，
規則又是誰訂的？
結構是否也是驚悚地近乎可笑？
人和人之間的信任，又是建立在什麼基礎之上呢？

從血漿的噴灑和感覺不出生命重量的死亡連續，
我感受到對生存喘不過氣，
和持續絕望累積出的慘白微笑。
無法選擇要不要加入的生存遊戲，
活著，承載比死亡更多的無柰。

電車男 Densha otoko

2005-09-12T16:10:00.000+08:00

簡單地說，這是部簡單可愛的影片。
最近的日本片常有著小品題材，但試圖充分發揮情節的張力，讓你邊笑邊看，也邊看邊哭。
只要戲謔的不過份，悲傷的不誇飾，都可以很輕鬆地入口消化。
而且都是貼近大眾生活的日常感觸。

相較於穿著有型有款的人，我總覺得樸實的人感覺親切多了，
但外表衣著是包括在社會認定的過程裡，
在日本相信格外嚴苛。

有誰是靈魂和軀體都有相同外貌的呢？
在路過街上的櫥窗鏡時，我總會想：「這就是我的樣子啊！」
和我想像中還真有些差距，
所以我一直很羨慕到哪裡都可以一直狂照鏡子欣賞自己各種角度，
再不停調整髮型的女孩，
看著男主角的自卑，和被定型為與戀愛無緣的毒男，
過去的回憶慢慢浮上，
熟悉的心疼感也就自然延伸，
也就不去深究電影是否有默許社會化和以貌取人的嫌疑。

我有朋友，平時沈點寡言，
在msn遇到他卻判若兩人，
或多或少，我們在網路上都表態的多一些吧！
抽離了現實的包袱和身分限制，
增加了熱情或是溫度，
電車男的真實故事裡，人和人在網路介質的互動，
和有真實空氣流動的地表，
也形成有趣的對照，
將虛擬的情境和表情符號真人化，
旁白刻意以各種角度出現在畫面裡的表現，
導演在小細節也表現了活潑的創意。

我即使到現在出門還會被誤認為學生，
常常在買票時只恨自己沒有留一張學生證，
但要經過多少時間和事件我們才能接受自己現在的模樣呢？
在自我轉變的過程中，又要如何才能決定自己該成為什麼樣子？
電影講出了我們曾經有的懷疑，和也許到現在仍持續的不安，
實現不可能美夢的過程中，我們也許也得到自我認同的意外禮物。

我相信本質單純美好的東西，不用過度包裝，
感受物件本身就會讓人喜愛；
如果不理會宣傳廣告裡形容是「都會男女浪漫愛情喜劇」的矯情用詞，
用最簡單的心情看電影，也許就有屬於你自己的愉快體驗。

巧克力冒險工廠 Charlie and the Chocolate Factory

2005-08-11T17:17:00.000+08:00

我看巧克力冒險工廠其實充滿無限懷念。
看到威利旺卡手持剪刀剪彩後的歡迎姿勢，我微微一笑，彷彿是強尼戴普和提姆波頓向當年剪刀手的影迷們打招呼。
不過，除了以緬懷的角度重溫他們的合作，這部片還是應該獨立出來，停止再被比較。
這部片和當時進戲院時的預期不一樣，和預告片暗示的類型也不同，但我倒是欣賞這一點。
這部片是不是那麼適合給孩子看，我保留態度，畢竟戲院裡總也有惡形惡狀的小朋友看著自己在電影裡被懲罰－尤其過度保護子女的家長更不適合看吧！（笑）
裡面的笑點其實也沒有那麼多，黑暗的放映廳裡有好一陣子旁邊的小孩是沈默等待著，威利旺卡稍稍搞笑一點，他們就會發出渴望又滿足的朗朗笑聲。
詭異、神秘、超寫實又有趣，一直是提姆波頓的風格，諷刺但不警世，我們只需放下一切，任由電影把我們帶去各個地方。
只是我們看電影還是不太放得開。我們希望緊握住故事主線，角色後來呢？怎麼沒有介紹？這時候孩子怎麼了？怎麼還能唱起歌來呢？我們急於知道接下來發生的事，無心沉醉於娛樂性很高的奧柏倫柏人演唱，即使看著電影，我們還是擔憂著現實的事，水是不是燒開沒人管、天花板是不是繼續漏雨、衣服是不是弄得全身濕．．．想想我們還真是不自由。
在繽紛歡愉的氣氛下人們比較疏於防備，但這部片在炫麗的色彩下包裝的可能不是甜美的糖蜜，這也是諷刺的地方，一般電子媒體不也用積極的態度、精美地包裝著駭人的新聞內容嗎？
電影裡的對照也很有趣。威利旺卡有著成人的外型，但內心和他執著的巧克力糖衣同個年紀。抽中獎券的孩子們卻一個比一個恐怖，像無數個世故功利的成年人類型。威利旺卡追逐著童年，巧克力和糖像幼年時不切實際的夢想，被大人禁止了；中獎的小朋友們卻急於抛掉幼稚的肉身，用控制和欲望證明他們和大人一樣成熟。
片中的配角也不會只是配角，不管是海倫娜寶漢卡特或是克里斯多夫李，看著好演員詮釋著單純可愛的角色時更讓人難以拒絶，像有數十層味道的糖果，溫潤又有深度。
不過看提姆波頓有個好處。雖然我前面講了一大堆，但其實可以什麼都不想，單純地看電影，就活在他創造的世界裡一起旅行，光是這點就讓人夠興奮了。

偷情 Closer

2005-05-19T18:05:00.000+08:00

Dear Moh：
我昨天看了偷情的DVD。我第一個感覺是這可能會有兩極的喜好和評斷。
之前同事有人說好看，有人說無聊，年紀比較長些的就對70年次的妹妹說：「那種你們看不懂啦。」
偷情是部對話量很大的片子。
角色彼此之間除了觀察猜測，大量的問題往返，就像真實生活一樣，
如果對方不說我們有可能猜不出。
偷人的畫面觀眾沒有看到，我們和戲中人一樣靠著一個又一個問題，希望能構築出當時的實景。逼問中想知道又不想知道的矛盾心情。
實情和謊言相互交錯，每個人同時是被害者又是背叛者，背負著罪名卻又給對方判刑。
克里夫歐文演的皮膚科醫生是很有趣的樣本。看似是裡面最膚淺的人，但又對人有很真實的體悟。追求真實，所以殘忍，但和其他人的偽善相較之下卻讓人無法討厭這個角色。（好啦，我承認我不欣賞羅勃茲和裘德洛）娜塔莉波曼也是，她的愛情可能在一開始我們感覺不到，（人們不太相信脫衣舞孃的忠貞不移，又認為太輕易與人開始一段關係）但她的情感卻反而先被出賣。
我們看到娜塔莉波曼的護照時，才知道導演也開我們一個玩笑，有時候人反而只想聽自以為的真相，有時真的很難區分是真的還是我們想聽的。
偷情不會是我認為的超級好片，只是它和我對它的預設立場不同。讓我有些驚訝，而且讓人思考。你應該看過了吧（如果還沒，以上．．．應該不算透露劇情吧．．．:P）